Algunos signos de los días (de izquiera a derecha y de ariba hacia abajo):
Jaguar, caña, hierba torcida, mono.
Viento, caimán, flor, lluvia
Perro, agua, conejo, venado.
Pedernal, movimiento, zopilote, águila
Seis de las parejas divinas
martes, 18 de agosto de 2009
Arte prehispánico: rostro y corazón
Arte prehispánico: rostro y corazón
Por Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
A lo largo de la existencia humana el individuo, ha tenido la necesidad de creer en “algo” ante problemas o fenómenos naturales que no puede entender o resolver acude a una o varias deidades, así como de representarlas de alguna forma. Estas particularidades han sido alimento para su creatividad, sus ideas, creencias y prácticas mágico-religiosas deben hacerse tangibles: todo ritual requiere materializar al “ser divino”, mediante una imagen o escultura. El hombre necesita ver y reconocer a sus dioses, otorgarle similitudes físicas y de pensamiento respecto a lo que somos los humanos: en ellos también existen cualidades, defectos y sentimientos: la bondad, la envidia, la nobleza, etc., los cuales, no se deslindan de conflictos para preservar y mantener una posición dentro de una jerarquía divina.
De la misma manera, estos rasgos se identifican en el arte precolombino; en su legado se encuentran manifestaciones que son el testimonio de sus creencias, ritos y modo de vivir. “Los dioses hechos a imagen y semejanza del hombre”[1] no podrían entenderse como dos entes autónomos y distintos, los dioses en el México antiguo, tienen características humanas, tanto en la parte física como de pensamiento, con sus respectivos actos y consecuencias. Recordemos la leyenda de Coatlicue cuando quedó embarazada de Huitzilopochtli; sus hijos la Luna y los “cuatrocientos del sur” (las estrellas) al enterarse, enfurecieron de tal modo que decidieron matar a la madre, pero en el momento del nacimiento de Huitzilopochtli, con ayuda de la serpiente de fuego, le cortó la cabeza a la Luna y puso en fuga a las estrellas. En este relato hay una lucha de poderes, similar a lo que sucede con los humanos.
Según los especialistas, nuestros ancestros creían que los dioses tenían una gran influencia en todo lo que sucedía; los días se dividían de acuerdo a las fuerzas benignas o malignas de los dioses, para ello había que llevar un registro en manuscritos, pues era propicio saber que harían estas deidades cada día. Eran libros adivinatorios que solo podían ser consultados e interpretados por sacerdotes, el mas importante, por su belleza y complejidad es el Códice Borgia. Se realizaban una serie de consultas; respecto a los tiempos de siembra, los viajes, el comercio, la guerra, el matrimonio y sobre todo, pronosticar el destino de los recién nacidos, ya que cada día había un dios distinto. Es necesario explicar que el tiempo en aquellas épocas era medido por dos tipos de cuentas calendáricas: la primera indica el año solar de 365 días y la segunda se refiere al “ciclo adivinatorio de 260 días, que es la multiplicación de los 20 signos de los días y la combinación de 13 números. A estas 20 unidades se les llama tricenas”[2]. El ciclo de 260 es más corto que el de 365 días, por lo cual en cada año solar se repetían 105 signos del calendario adivinatorio. Cada uno se representa con un animal, una planta, un elemento o una acción y le corresponde una deidad protectora, así como también las tricenas. Por lo tanto a cada recién nacido se le adjudicaban dos deidades; la de los patrones de los días y la de los regentes de las tricenas.
Códice Borgia, caimán, caña y serpiente
Estos veinte días tienen un orden establecido y poseen asociación con los fenómenos naturales, los animales, las plantas y los objetos, sus agrupaciones serán en este sentido, con la idea de la relación hombre naturaleza.
El primer grupo lo integran aquellos que se relacionan con los elementos y los fenómenos naturales: Ehecatl, viento cuya imagen es la máscara del dios del viento Quetzalcoatl-Ehecatl, se caracteriza por tener un pico largo de pájaro rojo; Atl, Agua, representado como un semicírculo con trazos azules; Quiahitl, Lluvia, su imagen se relaciona con el dios de la lluvia, Tlaloc y se le dibujaba con cuerpo de humano, su cabeza tiene una gran mandíbula y su ojo lo circunda un aro.
Los animales conforman el segundo grupo: el día, Cipactli o Caimán se dibujaba completo o solo la cabeza, en ambas representaciones carece de la mandíbula inferior, se caracteriza por las protuberancias en forma de pico que rodean su piel; Cuetzapallin, Lagartija, este animal lo concibieron en azul y rojo, cuya división de color esta definida a la altura del vientre, ninguna la lagartija tiene estos colores por lo cual se piensa que tenía un valor simbólico; Coatl, serpiente, para los prehispánicos este animal era asociado con las dioses del viento y la lluvia; Mazatl, Venado representado en color ocre y varias líneas en la misma dirección, imitando el pelaje; Tochtli, Conejo, a este día se le asocia con la luna y el pulque; Itzcunctli, Perro, se le dibujaba con una sucesión de líneas y círculos ocres y negros sobre un fondo blanco; Ozomatli, Mono a este animal se le relacionaba con el arte, los juegos y la alegría; Ocelotl, Jaguar que simboliza la valentía y el poder, su imagen está pintada de ocre o amarillo y tiene unas manchas negras con centro blanco sobre su pelaje; Cuauhtli, Águila, pintada en colores amarillo, blanco, verde y rojo, se le relacionaba con los guerreros y el sol; Cozcacuauhtli, Águila de collar o zopilote se le asociaba con la vejez.
Códice Borgia, lagartija, serpiente y águila
El tercer grupo sea asocia con el mundo vegetal; Malinalli, Hierba torcida, es una planta que emerge de la tierra, sus raíces son rojas y representan la sangre; Acatl, Caña, se representa con pedazos de caña, en forma de flechas atadas; Xochitl, Flor, es un signo que se identifica con la belleza y la alegría.
El último grupo se identifica con los objetos y situaciones: Miquiztli, Muerte, signo se dibujaba con un cráneo blanco con manchas amarillas y se le asocia con Mictlantecuhtli; Calli, casa, esta imagen se representa como una casa o templo con techo de paja y escalinatas; Ollin, Movimiento representado por dos tiras entrelazadas, una verde y una roja con un delineado amarillo, además de representar el movimiento, se le relaciona con los temblores de la tierra: Tecpatl, Pedernal, es un cuchillo de forma ojival pintado de distintas formas.
Para el hombre prehispánico era sustancial hacer una clara definición de espacios físicos, espirituales y morales. A través de estas representaciones se observan sus preocupaciones; su posición respecto a los otros seres, sus incógnitas hacia lo desconocido, pero también encuentra una explicación a los enigmas de sí mismo y del universo. Su vida tenía una fuerte correspondencia con su contexto, era una especie de engranaje en el cual había que estar muy atento a los designios de los dioses y de la tierra misma; desde el nacimiento hasta la muerte se establecían vínculos con las deidades, en cada etapa, proceso o actividad se detecta que tanto los signos de los días, como los dioses, representan un concepto que se identifica con formas de la flora y la fauna. Este binomio, de seres divinos ataviados con elementos de la naturaleza para persistir y transitar por la tierra y ello los hace palpables, cercanos al hombre.
En el Códice Borgia hay una vínculo muy acertado entre la imagen y lo que representa cada una de sus partes en la vida real. El viento, a través de la forma de un pájaro de largo pico tiene un doble significado; por un lado es el aire por el cual podemos subsistir, y por otro es una fuerza natural incontrolable que puede destruir con potencia incontrolable. Al igual, el agua es un líquido vital para nuestra existencia y por otro lado constituye un peligro a través de una tormenta. En cuanto a los signos con características zoomorfas, se enfatizan las cualidades o defectos que pudiera tener el animal; los nacidos bajo el signo Mazatl encarnado por el venado, podrían caracterizarse por ser tímidos, pero a la vez aseguraban sustento y seguridad. Al signo de la lagartija se le adjudican dos significados: la riqueza y la enfermedad. El dibujo del signo de la muerte se asocia con Mictlantecuhtli, el señor del inframundo y de la muerte, sin embargo para el hombre prehispánico era indicativo de renacimiento y fertilidad por su relación con la luna. En este sentido cíclico de transformación, encontramos que el signo Malinalli, hierba torcida simboliza la muerte y la caducidad, pero también la renovación, por lo cual, aquellos que nacían bajo este influjo frecuentemente enfermarían pero siempre conseguirían recuperarse.
En general cada imagen tiene un doble significado que se asocia con el bien o con el mal, esta doble lectura permite vislumbrar un equilibro entre estos dos ámbitos, a lo que también correspondería el concepto del hombre náhuatl: rostro y corazón, como dos entidades que inseparables. Esta relación integra la fisonomía y el alma de los individuos en el México prehispánico, donde existía una sociedad organizada, con respeto a cada individuo “hacer sabios los rostros y firmes los corazones”[3] .
Coatepec, Ver. a 24 de julio de 2009
[1] Alfonso Caso, El pueblo del Sol, México, Fondo de Cultura Económica, 1983, p.11
[2] Krystyna M. Libura, Los días y los dioses del Códice Borgia, México, Ediciones Tecolote, 2002, p.7
[3] Miguel León-Portilla, Los antiguos mexicanos, México, Fondo de Cultura Económica, 1998, p149
Por Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
A lo largo de la existencia humana el individuo, ha tenido la necesidad de creer en “algo” ante problemas o fenómenos naturales que no puede entender o resolver acude a una o varias deidades, así como de representarlas de alguna forma. Estas particularidades han sido alimento para su creatividad, sus ideas, creencias y prácticas mágico-religiosas deben hacerse tangibles: todo ritual requiere materializar al “ser divino”, mediante una imagen o escultura. El hombre necesita ver y reconocer a sus dioses, otorgarle similitudes físicas y de pensamiento respecto a lo que somos los humanos: en ellos también existen cualidades, defectos y sentimientos: la bondad, la envidia, la nobleza, etc., los cuales, no se deslindan de conflictos para preservar y mantener una posición dentro de una jerarquía divina.
De la misma manera, estos rasgos se identifican en el arte precolombino; en su legado se encuentran manifestaciones que son el testimonio de sus creencias, ritos y modo de vivir. “Los dioses hechos a imagen y semejanza del hombre”[1] no podrían entenderse como dos entes autónomos y distintos, los dioses en el México antiguo, tienen características humanas, tanto en la parte física como de pensamiento, con sus respectivos actos y consecuencias. Recordemos la leyenda de Coatlicue cuando quedó embarazada de Huitzilopochtli; sus hijos la Luna y los “cuatrocientos del sur” (las estrellas) al enterarse, enfurecieron de tal modo que decidieron matar a la madre, pero en el momento del nacimiento de Huitzilopochtli, con ayuda de la serpiente de fuego, le cortó la cabeza a la Luna y puso en fuga a las estrellas. En este relato hay una lucha de poderes, similar a lo que sucede con los humanos.
Según los especialistas, nuestros ancestros creían que los dioses tenían una gran influencia en todo lo que sucedía; los días se dividían de acuerdo a las fuerzas benignas o malignas de los dioses, para ello había que llevar un registro en manuscritos, pues era propicio saber que harían estas deidades cada día. Eran libros adivinatorios que solo podían ser consultados e interpretados por sacerdotes, el mas importante, por su belleza y complejidad es el Códice Borgia. Se realizaban una serie de consultas; respecto a los tiempos de siembra, los viajes, el comercio, la guerra, el matrimonio y sobre todo, pronosticar el destino de los recién nacidos, ya que cada día había un dios distinto. Es necesario explicar que el tiempo en aquellas épocas era medido por dos tipos de cuentas calendáricas: la primera indica el año solar de 365 días y la segunda se refiere al “ciclo adivinatorio de 260 días, que es la multiplicación de los 20 signos de los días y la combinación de 13 números. A estas 20 unidades se les llama tricenas”[2]. El ciclo de 260 es más corto que el de 365 días, por lo cual en cada año solar se repetían 105 signos del calendario adivinatorio. Cada uno se representa con un animal, una planta, un elemento o una acción y le corresponde una deidad protectora, así como también las tricenas. Por lo tanto a cada recién nacido se le adjudicaban dos deidades; la de los patrones de los días y la de los regentes de las tricenas.
Códice Borgia, caimán, caña y serpiente
Estos veinte días tienen un orden establecido y poseen asociación con los fenómenos naturales, los animales, las plantas y los objetos, sus agrupaciones serán en este sentido, con la idea de la relación hombre naturaleza.
El primer grupo lo integran aquellos que se relacionan con los elementos y los fenómenos naturales: Ehecatl, viento cuya imagen es la máscara del dios del viento Quetzalcoatl-Ehecatl, se caracteriza por tener un pico largo de pájaro rojo; Atl, Agua, representado como un semicírculo con trazos azules; Quiahitl, Lluvia, su imagen se relaciona con el dios de la lluvia, Tlaloc y se le dibujaba con cuerpo de humano, su cabeza tiene una gran mandíbula y su ojo lo circunda un aro.
Los animales conforman el segundo grupo: el día, Cipactli o Caimán se dibujaba completo o solo la cabeza, en ambas representaciones carece de la mandíbula inferior, se caracteriza por las protuberancias en forma de pico que rodean su piel; Cuetzapallin, Lagartija, este animal lo concibieron en azul y rojo, cuya división de color esta definida a la altura del vientre, ninguna la lagartija tiene estos colores por lo cual se piensa que tenía un valor simbólico; Coatl, serpiente, para los prehispánicos este animal era asociado con las dioses del viento y la lluvia; Mazatl, Venado representado en color ocre y varias líneas en la misma dirección, imitando el pelaje; Tochtli, Conejo, a este día se le asocia con la luna y el pulque; Itzcunctli, Perro, se le dibujaba con una sucesión de líneas y círculos ocres y negros sobre un fondo blanco; Ozomatli, Mono a este animal se le relacionaba con el arte, los juegos y la alegría; Ocelotl, Jaguar que simboliza la valentía y el poder, su imagen está pintada de ocre o amarillo y tiene unas manchas negras con centro blanco sobre su pelaje; Cuauhtli, Águila, pintada en colores amarillo, blanco, verde y rojo, se le relacionaba con los guerreros y el sol; Cozcacuauhtli, Águila de collar o zopilote se le asociaba con la vejez.
Códice Borgia, lagartija, serpiente y águila
El tercer grupo sea asocia con el mundo vegetal; Malinalli, Hierba torcida, es una planta que emerge de la tierra, sus raíces son rojas y representan la sangre; Acatl, Caña, se representa con pedazos de caña, en forma de flechas atadas; Xochitl, Flor, es un signo que se identifica con la belleza y la alegría.
El último grupo se identifica con los objetos y situaciones: Miquiztli, Muerte, signo se dibujaba con un cráneo blanco con manchas amarillas y se le asocia con Mictlantecuhtli; Calli, casa, esta imagen se representa como una casa o templo con techo de paja y escalinatas; Ollin, Movimiento representado por dos tiras entrelazadas, una verde y una roja con un delineado amarillo, además de representar el movimiento, se le relaciona con los temblores de la tierra: Tecpatl, Pedernal, es un cuchillo de forma ojival pintado de distintas formas.
Para el hombre prehispánico era sustancial hacer una clara definición de espacios físicos, espirituales y morales. A través de estas representaciones se observan sus preocupaciones; su posición respecto a los otros seres, sus incógnitas hacia lo desconocido, pero también encuentra una explicación a los enigmas de sí mismo y del universo. Su vida tenía una fuerte correspondencia con su contexto, era una especie de engranaje en el cual había que estar muy atento a los designios de los dioses y de la tierra misma; desde el nacimiento hasta la muerte se establecían vínculos con las deidades, en cada etapa, proceso o actividad se detecta que tanto los signos de los días, como los dioses, representan un concepto que se identifica con formas de la flora y la fauna. Este binomio, de seres divinos ataviados con elementos de la naturaleza para persistir y transitar por la tierra y ello los hace palpables, cercanos al hombre.
En el Códice Borgia hay una vínculo muy acertado entre la imagen y lo que representa cada una de sus partes en la vida real. El viento, a través de la forma de un pájaro de largo pico tiene un doble significado; por un lado es el aire por el cual podemos subsistir, y por otro es una fuerza natural incontrolable que puede destruir con potencia incontrolable. Al igual, el agua es un líquido vital para nuestra existencia y por otro lado constituye un peligro a través de una tormenta. En cuanto a los signos con características zoomorfas, se enfatizan las cualidades o defectos que pudiera tener el animal; los nacidos bajo el signo Mazatl encarnado por el venado, podrían caracterizarse por ser tímidos, pero a la vez aseguraban sustento y seguridad. Al signo de la lagartija se le adjudican dos significados: la riqueza y la enfermedad. El dibujo del signo de la muerte se asocia con Mictlantecuhtli, el señor del inframundo y de la muerte, sin embargo para el hombre prehispánico era indicativo de renacimiento y fertilidad por su relación con la luna. En este sentido cíclico de transformación, encontramos que el signo Malinalli, hierba torcida simboliza la muerte y la caducidad, pero también la renovación, por lo cual, aquellos que nacían bajo este influjo frecuentemente enfermarían pero siempre conseguirían recuperarse.
En general cada imagen tiene un doble significado que se asocia con el bien o con el mal, esta doble lectura permite vislumbrar un equilibro entre estos dos ámbitos, a lo que también correspondería el concepto del hombre náhuatl: rostro y corazón, como dos entidades que inseparables. Esta relación integra la fisonomía y el alma de los individuos en el México prehispánico, donde existía una sociedad organizada, con respeto a cada individuo “hacer sabios los rostros y firmes los corazones”[3] .
Coatepec, Ver. a 24 de julio de 2009
[1] Alfonso Caso, El pueblo del Sol, México, Fondo de Cultura Económica, 1983, p.11
[2] Krystyna M. Libura, Los días y los dioses del Códice Borgia, México, Ediciones Tecolote, 2002, p.7
[3] Miguel León-Portilla, Los antiguos mexicanos, México, Fondo de Cultura Económica, 1998, p149
protocolo
1. TÍTULO:
CUERPO Y NATURALEZA: DIÁLOGO Y SIGNIFICADO. LIBRO DE ARTISTA
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
La presente investigación se enfoca al análisis de las propuestas visuales de la representación del cuerpo humano a partir de su relación con la naturaleza y los significados que ha generado, en primer término con el Códice Borgia, y en segundo, en el arte mexicano contemporáneo. La idea es mostrar la pluralidad de imágenes que el hombre ha creado a través de un diálogo de identificación y cercanía con la con la flora, la fauna y los elementos: aire, agua, fuego y tierra.
La naturaleza es diversa es sus formas como en los significados que se le han otorgado a través de la historia. Lo extenso del tema, en términos de una iconología, me indica precisar mi análisis: el objeto de estudio contempla dos contextos visuales el Códice Borgia y tres artistas que pertenecen a distintas generaciones del arte mexicano contemporáneo: Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey. A partir de un análisis formal de las imágenes del Códice y las obras seleccionadas de los artistas, se investigarán los significados de cada elemento que tenga relación con la naturaleza que se encuentren en las pinturas, así como la interpretación en correspondencia a la figura humana. Con ello pretendo hacer una analogía entre el mundo prehispánico y la vida contemporánea: el hombre en relación a la naturaleza, la necesidad de sentirse identificado con su entorno y la utilización de las formas vegetales y zoomorfas como un modo de apropiación.
El Códice Borgia es un manuscrito precolombino posiblemente pintado a finales del siglo XV que se conserva en la Biblioteca Apostólica Vaticana. No se conoce con exactitud su origen, pero se le ubica en la zona sur u oeste del estado de Puebla, región dominada por los aztecas en la época de la Conquista. Es un libro de contenido ritual, adivinatorio y religioso, no fue realizado para la contemplación de un lector individual, era usado de una manera activa como parte de sus ceremonias. Los temas que aborda el manuscrito son: el Calendario de 260 días, los 20 signos de los días, los 9 señores de la noche, el periodo Venusino y otras partes que se refieren a rituales.
Para los Aztecas y los pueblos del centro de México las imágenes eran más importante que las palabras y el aspecto más importante del Códice Borgia, para esta investigación, es la parte visual: la imagen y su significado, destacando que en una gran mayoría de estas pinturas encontramos a los dioses (con formas humanas) relacionados con la naturaleza; flora o fauna y con los elementos; agua, aire, tierra y fuego.
En consecuencia, el analizar la obra de Rufino Tamayo (1899-1991), a partir del hecho que en 1921 fue nombrado jefe del Departamento Etnográfico (dibujo) del Museo de Arqueología de la Ciudad de México, donde empezó a desarrollar un interés en el arte precolombino, ejerce un papel decisivo en su obra, la cual está poblada de referencias al arte prehispánico, desde lo formal, hasta la manera de colocar al hombre respecto al cosmos, como un símbolo. Para Tamayo la obra implica un mensaje, de ahí nuestra indagación respecto a la naturaleza: Dos perros, Animales, Encantador de pájaros, Mujeres alcanzando la luna, Danzantes frente al mar, Eclipse total, El hombre ante el infinito, Anochecer, Terror cósmico, Noche de misterios, Hombre con flor, Sol de tarde, Amigas de los pájaros, tan solo son algunas obras que muestran al Tamayo que ve al hombre respecto a lo que sucede a su alrededor, a su contexto inmediato y al universo distante, sin olvidar al hombre que siente, se ríe y aterroriza.
Gilberto Aceves Navarro (1931) ha sido un artista que trabaja de manera seriada sus temáticas, en ellas predomina uno o varios personajes, por ejemplo: La decapitación de San Juan Bautista o Los comedores de papa, desempeñan una doble función: formal y conceptual. De una figura principal se genera la composición, así como la disposición y relación con otras formas que ofrecen una lectura llena de simbolismos. Para Aceves Navarro la figura humana es muy importante, ella es el pretexto ideal para explorar un concepto. En la serie De las 7000 formas de atrapara a un unicornio predomina una forma entre humana y zoomorfa que dialoga con la naturaleza: animales, frutas y también objetos correspondientes a nuestro mundo moderno y contemporáneo.
En la obra de Carla Rippey (1950) es recurrente la presencia de la naturaleza, que es, al mismo tiempo una piel (figura) y la decoración de una habitación (fondo), esta doble especialidad que ubica al personaje como una extensión de su pensamiento y su personalidad o también como un “territorio desconocido o un abismo”, habla de una “narrativa fragmentada” entre lo público y lo privado, entre lo íntimo y la historia.
Figura humana y naturaleza, han sido temas constantes en la historia de la pintura universal, su estudio abarca una gran cantidad de autores y perspectivas, por ello y en consecuencia lógica con mi trabajo, en el cual han predominado la anatomía humana y el mundo vegetal, sitúo esta investigación en el contexto del arte mexicano, en una sucesión cronológica de imagen y significado. Iniciar con el Códice Borgia, para luego continuar con Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey, es como dibujar un mapa para llegar a mi obra; el arte precolombino y los artistas seleccionados son mis antecedentes, mis enseñanzas y mis referentes visuales. Con esta información realizaré un estudio comparativo, un análisis formal y un análisis iconográfico, que me proporcione elementos para elaborar un libro de artista con el tema “Cuerpo y naturaleza” desde un contexto contemporáneo. La investigación se orienta hacia dos direcciones:
1. Teórica, que incluye una investigación documental que analice y compare las imágenes del Códice Borgia, las propuestas visuales de artistas seleccionados, así como aspectos simbólicos que sitúen al hombre respecto al cosmos, a los elementos (agua, aire, fuego y tierra) y a la naturaleza, utilizando el Método Analítico, el Método Sintético y el Método Deductivo.
2. Práctica, que consiste en producir un “libro de artista” con 30 obras sobre tela y sobre papel en técnicas mixtas, cuya propuesta visual se enfoque a una analogía de la forma: hombre y naturaleza a partir de la percepción, la forma, la estructura, la figura, la proporción, el fragmento y sus relaciones simbólicas.
3. OBJETIVOS
Objetivo general
Realizar un libro de artista con el tema: hombre y naturaleza, a partir de la investigación, análisis, estudio comparativo y significado de imágenes del Códice Borgia y los artistas Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey.
Objetivos particulares
Realizar una investigación documental que proporcione información referente a los significados de las imágenes del Códice Borgia: los dioses y el hombre en relación a la naturaleza
Realizar una investigación documental de obras seleccionadas donde se encuentre la relación hombre-naturaleza de Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey, analizar forma y significado del hombre en relación a la naturaleza y su contexto.
Producir un “libro de artista” considerando los aspectos formales del Códice Borgia desde una perspectiva contemporánea que incluya los conceptos de: analogía de formas humanas y vegetales, fragmentación, relaciones simbólicas (hombre y naturaleza) y apropiación.
METAS
Elaborar un texto derivado de la investigación teórica
Efectuar entrevistas: a Gilberto Aceves Navarro y a Carla Rippey, orientadas al tema del hombre y la naturaleza en su obra.
Realizar un libro de artista con 30 obras sobre tela y/o papel en técnica mixta, con una medida de 40 x 40 cm cada obra, dividido en dos secciones: El hombre y los elementos y El hombre y la naturaleza
Nota: propongo intervenir el campo pictórico con máquina de coser, aguja e hilo y engrapadora.
4. ANTECEDENTES DEL PROBLEMA
Abordar la temática del hombre en relación a la naturaleza como un estudio de formas y significados en la presente investigación, es una consecuencia lógica de mi trabajo, ya que de manera persistente he realizado series con estos dos temas. El estudio y análisis del Códice Borgia no pretende cuestionar las investigaciones realizadas por arqueólogos e historiadores, sino ofrecer otra lectura a partir de un enfoque visual. Asimismo seleccioné a los artistas porque identifique aspectos que se relacionan tanto con el arte prehispánico como con mi obra, ellos son el punto medio de mi reflexión, son mi antecedente visual y mi referente histórico. Ante un mundo tan globalizado considero importante enfocar mi investigación al arte mexicano
5. PROPOSICIÓN O HIPÓTESIS
Se pueden Identificar formas, colores y significados que prevalecen en el Códice Borgia para darles una lectura desde el punto de vista de las artes plásticas
Identificar los paralelismos que existen entre el Códice Borgia y las propuestas visuales de los artistas seleccionados
Proponer, en un “libro de artista” la temática “hombre y naturaleza” como una correspondencia de analogías y significados en las que, través de los antecedentes del Códice Borgia y los artistas seleccionados, prevalece un diálogo con nuestro entorno y, que en una modificación de forma y representación, el hombre establece una relación con la naturaleza.
6. ESTRATEGIAS DE PRODUCCIÓN Y PERSPECTIVA TEÓRICO-METODOLÓGICA
Se plantea elaborar la investigación a través de los siguientes métodos:
Método Analítico: se aplica a la investigación documental para catalogar y dividir los temas tratados, resuelve a través del razonamiento
Método Sintético: Establece la unión o relación entre los temas analizados para establecer nuevos criterios.
Método Deductivo: A partir del análisis de las imágenes y su significado, establecer una relación del contexto con lo representado en tres distintas épocas del arte mexicano.
Esquema práctico:
Registro fotográfico del Bosque de Niebla
Bocetos in situ y en taller a partir de los conceptos teóricos
Preparación de los soportes y selección de materiales
Diseño del libro de artista
Elaboración de la obra basada en los resultados de la investigación teórica
Fabricación del libro de artista
7. ESTRUCTURA CONCEPTUAL
En una relación “Hombre y naturaleza” el significado de las imágenes corresponde a un contexto determinado. En el Códice Borgia los dibujos se integran tanto de formas humanas como zoomorfas y que en algunos casos incluyen representaciones vegetales, cada elemento adquiere un significado a partir de una concepción mágico religiosa. En los artistas seleccionados esta relación adquiere otros significados, ya que su entorno e intención es totalmente distinta, no hay un sentido religioso, hay un desarrollo de concepto. Por ello, la propuesta personal se enfoca a integrar diversas formas que en este mundo contemporáneo adquieren otro significado, equivale a formular nuevas entidades de nuestra percepción visual, apoyadas en un esquema teórico, donde la definición de los objetos los sitúa como entidades permanentes en cuanto a la capacidad de un individuo de sintetizar sus experiencias, tomando en consideración que la percepción se circunscribe de acuerdo a una selección y configuración visual particular,
8. ESQUEMA DE TRABAJO
INTRODUCCIÓN
PRIMER CAPÍTULO
1. Hombre y naturaleza en el Códice Borgia
1.1 Forma, significado y contexto
1.2 El agua
1.3 El aire
1.4 El fuego
1.5 La tierra
SEGUNDO CAPÍTULO
2. El hombre: macrocosmos y microcosmos en el Arte Mexicano Contemporáneo.
2.1 El hombre y el agua
2.2 El hombre y el aire
2.3 El Hombre y el fuego
2.4 El hombre y la tierra
2.5 Desnudo y naturaleza
TERCER CAPÍTULO
3. Libro de artista: proceso creativo
3.1 El cuerpo y las asociaciones con los elementos
3.2 El cuerpo y relación con la naturaleza
3.2 Propuesta visual: El Bosque de la Niebla
3.3 Desarrollo: diseño, materiales y técnicas
CONCLUSIÓN
GLOSARIO
BIBLIOGRAFÍA
ÍNICE DE IMÁGENES
9. IMPACTO O CONTRIBUCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN
El análisis de las imágenes del Códice Borgia, en su gran mayoría ha sido elaborado por especialistas en áreas como la antropología, la arqueología y la historia, creo que como artista visual, el análisis y enfoque que pueda darle ofrecerá una lectura desde otro punto de vista. Asimismo, Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey ofrecen una serie de imágenes con el tema “hombre y naturaleza”, las cuales nos ofrecen otro panorama de significación, acorde a la época contemporánea y que es importante revisar.
10. RECURSOS MATERIALES Y TÉCNICOS DISPONIBLES
El proveerme de un estudio ha sido parte fundamental para el desarrollo de mi labor creativa. Actualmente cuento con un espacio personal de 10 x 5 mt2, equipado con dos caballetes, mesas de trabajo y suministrado de material. Como Investigadora del Instituto de Artes Plásticas, de la Universidad Veracruzana (UV) dispongo de un taller con un caballete y una mesa de trabajo. Asimismo puedo acceder, a la Unidad de Servicios Bibliotecarios e Informáticos (USBI), al Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, A.C.
También puedo utilizar un equipo de cómputo e impresora personal con acceso a Internet de banda ancha y una cámara digital de 6.0 mega pixeles.
11. RELACIÓN DE ACTIVIDADES POR SEMESTRE
Primer semestre
Selección de material documental
Elaboración de fichas por tema y autor
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, AC
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Segundo semestre
Análisis de material documental
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Huatusco, Ver.
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Tercer semestre
Elaborar y realizar entrevistas a Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: La Pitaya, Coatepec, Ver.
Elaborar conclusiones (perspectiva teórica)
Producción de la obra
Elaborar ensayo de fin de semestre
Cuarto semestre
Producción de obra
Registro fotográfico de la obra producida
Elaboración del libro de artista
Elaborar ensayo de fin de semestre
Revisión de tesis
12. FUENTES DE INVESTIGACIÓN
12.1 BIBLIOGRAFÍA PROPUESTA
Arnheim, Rudolf, El pensamiento visual, Barcelona, Paidós, 1986.
Arnheim, Rudolf, Arte y percepción visual, Madrid, Alianza Editorial, 2001.
Calabrese, Omar, El lenguaje del arte, Barcelona, Paidós, 1987.
Calabrese, Omar, Como se lee una obra de arte, España, Cátedra, 1993.
Caso, Alfonso, El pueblo del sol, México, Fondo de Cultura Económica, 1983
Collingwood, R.G., Los principios del arte, México, Fondo de Cultura Económica, 1993.
Doczi, György, El poder de los límites, Argentina, Troquel, 1999.
Gris, Juan, De las posibilidades de la pintura y otros escritos, Barcelona, Gustavo Gili, 1971.
Hellion, Martha (Coordinadora), Libros de artista, Tomo I y II, España, Turner, 2003
López Austin, Alfredo, Cuerpo humano e ideología. Las concepciones de los
antiguos nahuas.2ª ed. México. Universidad Nacional Autónoma de México/
Instituto de Investigaciones Antropológicas. 1984.
Marina, José Antonio, Teoría de la creatividad, Barcelona, Anagrama, 1998
Panofsky, Edwin, El significado en las artes visuales, Madrid, Alianza, 2008
-----------------------Estudios sobre iconología, Madrid, Alianza, 2008
Krickeberg, Walter, Las antiguas culturas mexicanas, México, Fondo de Cultura Económica, 1961
Williams-Linera, Guadalupe, El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, México, CONABIO - Instituto de Ecología A.C., 2007.
CUERPO Y NATURALEZA: DIÁLOGO Y SIGNIFICADO. LIBRO DE ARTISTA
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
La presente investigación se enfoca al análisis de las propuestas visuales de la representación del cuerpo humano a partir de su relación con la naturaleza y los significados que ha generado, en primer término con el Códice Borgia, y en segundo, en el arte mexicano contemporáneo. La idea es mostrar la pluralidad de imágenes que el hombre ha creado a través de un diálogo de identificación y cercanía con la con la flora, la fauna y los elementos: aire, agua, fuego y tierra.
La naturaleza es diversa es sus formas como en los significados que se le han otorgado a través de la historia. Lo extenso del tema, en términos de una iconología, me indica precisar mi análisis: el objeto de estudio contempla dos contextos visuales el Códice Borgia y tres artistas que pertenecen a distintas generaciones del arte mexicano contemporáneo: Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey. A partir de un análisis formal de las imágenes del Códice y las obras seleccionadas de los artistas, se investigarán los significados de cada elemento que tenga relación con la naturaleza que se encuentren en las pinturas, así como la interpretación en correspondencia a la figura humana. Con ello pretendo hacer una analogía entre el mundo prehispánico y la vida contemporánea: el hombre en relación a la naturaleza, la necesidad de sentirse identificado con su entorno y la utilización de las formas vegetales y zoomorfas como un modo de apropiación.
El Códice Borgia es un manuscrito precolombino posiblemente pintado a finales del siglo XV que se conserva en la Biblioteca Apostólica Vaticana. No se conoce con exactitud su origen, pero se le ubica en la zona sur u oeste del estado de Puebla, región dominada por los aztecas en la época de la Conquista. Es un libro de contenido ritual, adivinatorio y religioso, no fue realizado para la contemplación de un lector individual, era usado de una manera activa como parte de sus ceremonias. Los temas que aborda el manuscrito son: el Calendario de 260 días, los 20 signos de los días, los 9 señores de la noche, el periodo Venusino y otras partes que se refieren a rituales.
Para los Aztecas y los pueblos del centro de México las imágenes eran más importante que las palabras y el aspecto más importante del Códice Borgia, para esta investigación, es la parte visual: la imagen y su significado, destacando que en una gran mayoría de estas pinturas encontramos a los dioses (con formas humanas) relacionados con la naturaleza; flora o fauna y con los elementos; agua, aire, tierra y fuego.
En consecuencia, el analizar la obra de Rufino Tamayo (1899-1991), a partir del hecho que en 1921 fue nombrado jefe del Departamento Etnográfico (dibujo) del Museo de Arqueología de la Ciudad de México, donde empezó a desarrollar un interés en el arte precolombino, ejerce un papel decisivo en su obra, la cual está poblada de referencias al arte prehispánico, desde lo formal, hasta la manera de colocar al hombre respecto al cosmos, como un símbolo. Para Tamayo la obra implica un mensaje, de ahí nuestra indagación respecto a la naturaleza: Dos perros, Animales, Encantador de pájaros, Mujeres alcanzando la luna, Danzantes frente al mar, Eclipse total, El hombre ante el infinito, Anochecer, Terror cósmico, Noche de misterios, Hombre con flor, Sol de tarde, Amigas de los pájaros, tan solo son algunas obras que muestran al Tamayo que ve al hombre respecto a lo que sucede a su alrededor, a su contexto inmediato y al universo distante, sin olvidar al hombre que siente, se ríe y aterroriza.
Gilberto Aceves Navarro (1931) ha sido un artista que trabaja de manera seriada sus temáticas, en ellas predomina uno o varios personajes, por ejemplo: La decapitación de San Juan Bautista o Los comedores de papa, desempeñan una doble función: formal y conceptual. De una figura principal se genera la composición, así como la disposición y relación con otras formas que ofrecen una lectura llena de simbolismos. Para Aceves Navarro la figura humana es muy importante, ella es el pretexto ideal para explorar un concepto. En la serie De las 7000 formas de atrapara a un unicornio predomina una forma entre humana y zoomorfa que dialoga con la naturaleza: animales, frutas y también objetos correspondientes a nuestro mundo moderno y contemporáneo.
En la obra de Carla Rippey (1950) es recurrente la presencia de la naturaleza, que es, al mismo tiempo una piel (figura) y la decoración de una habitación (fondo), esta doble especialidad que ubica al personaje como una extensión de su pensamiento y su personalidad o también como un “territorio desconocido o un abismo”, habla de una “narrativa fragmentada” entre lo público y lo privado, entre lo íntimo y la historia.
Figura humana y naturaleza, han sido temas constantes en la historia de la pintura universal, su estudio abarca una gran cantidad de autores y perspectivas, por ello y en consecuencia lógica con mi trabajo, en el cual han predominado la anatomía humana y el mundo vegetal, sitúo esta investigación en el contexto del arte mexicano, en una sucesión cronológica de imagen y significado. Iniciar con el Códice Borgia, para luego continuar con Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey, es como dibujar un mapa para llegar a mi obra; el arte precolombino y los artistas seleccionados son mis antecedentes, mis enseñanzas y mis referentes visuales. Con esta información realizaré un estudio comparativo, un análisis formal y un análisis iconográfico, que me proporcione elementos para elaborar un libro de artista con el tema “Cuerpo y naturaleza” desde un contexto contemporáneo. La investigación se orienta hacia dos direcciones:
1. Teórica, que incluye una investigación documental que analice y compare las imágenes del Códice Borgia, las propuestas visuales de artistas seleccionados, así como aspectos simbólicos que sitúen al hombre respecto al cosmos, a los elementos (agua, aire, fuego y tierra) y a la naturaleza, utilizando el Método Analítico, el Método Sintético y el Método Deductivo.
2. Práctica, que consiste en producir un “libro de artista” con 30 obras sobre tela y sobre papel en técnicas mixtas, cuya propuesta visual se enfoque a una analogía de la forma: hombre y naturaleza a partir de la percepción, la forma, la estructura, la figura, la proporción, el fragmento y sus relaciones simbólicas.
3. OBJETIVOS
Objetivo general
Realizar un libro de artista con el tema: hombre y naturaleza, a partir de la investigación, análisis, estudio comparativo y significado de imágenes del Códice Borgia y los artistas Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey.
Objetivos particulares
Realizar una investigación documental que proporcione información referente a los significados de las imágenes del Códice Borgia: los dioses y el hombre en relación a la naturaleza
Realizar una investigación documental de obras seleccionadas donde se encuentre la relación hombre-naturaleza de Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey, analizar forma y significado del hombre en relación a la naturaleza y su contexto.
Producir un “libro de artista” considerando los aspectos formales del Códice Borgia desde una perspectiva contemporánea que incluya los conceptos de: analogía de formas humanas y vegetales, fragmentación, relaciones simbólicas (hombre y naturaleza) y apropiación.
METAS
Elaborar un texto derivado de la investigación teórica
Efectuar entrevistas: a Gilberto Aceves Navarro y a Carla Rippey, orientadas al tema del hombre y la naturaleza en su obra.
Realizar un libro de artista con 30 obras sobre tela y/o papel en técnica mixta, con una medida de 40 x 40 cm cada obra, dividido en dos secciones: El hombre y los elementos y El hombre y la naturaleza
Nota: propongo intervenir el campo pictórico con máquina de coser, aguja e hilo y engrapadora.
4. ANTECEDENTES DEL PROBLEMA
Abordar la temática del hombre en relación a la naturaleza como un estudio de formas y significados en la presente investigación, es una consecuencia lógica de mi trabajo, ya que de manera persistente he realizado series con estos dos temas. El estudio y análisis del Códice Borgia no pretende cuestionar las investigaciones realizadas por arqueólogos e historiadores, sino ofrecer otra lectura a partir de un enfoque visual. Asimismo seleccioné a los artistas porque identifique aspectos que se relacionan tanto con el arte prehispánico como con mi obra, ellos son el punto medio de mi reflexión, son mi antecedente visual y mi referente histórico. Ante un mundo tan globalizado considero importante enfocar mi investigación al arte mexicano
5. PROPOSICIÓN O HIPÓTESIS
Se pueden Identificar formas, colores y significados que prevalecen en el Códice Borgia para darles una lectura desde el punto de vista de las artes plásticas
Identificar los paralelismos que existen entre el Códice Borgia y las propuestas visuales de los artistas seleccionados
Proponer, en un “libro de artista” la temática “hombre y naturaleza” como una correspondencia de analogías y significados en las que, través de los antecedentes del Códice Borgia y los artistas seleccionados, prevalece un diálogo con nuestro entorno y, que en una modificación de forma y representación, el hombre establece una relación con la naturaleza.
6. ESTRATEGIAS DE PRODUCCIÓN Y PERSPECTIVA TEÓRICO-METODOLÓGICA
Se plantea elaborar la investigación a través de los siguientes métodos:
Método Analítico: se aplica a la investigación documental para catalogar y dividir los temas tratados, resuelve a través del razonamiento
Método Sintético: Establece la unión o relación entre los temas analizados para establecer nuevos criterios.
Método Deductivo: A partir del análisis de las imágenes y su significado, establecer una relación del contexto con lo representado en tres distintas épocas del arte mexicano.
Esquema práctico:
Registro fotográfico del Bosque de Niebla
Bocetos in situ y en taller a partir de los conceptos teóricos
Preparación de los soportes y selección de materiales
Diseño del libro de artista
Elaboración de la obra basada en los resultados de la investigación teórica
Fabricación del libro de artista
7. ESTRUCTURA CONCEPTUAL
En una relación “Hombre y naturaleza” el significado de las imágenes corresponde a un contexto determinado. En el Códice Borgia los dibujos se integran tanto de formas humanas como zoomorfas y que en algunos casos incluyen representaciones vegetales, cada elemento adquiere un significado a partir de una concepción mágico religiosa. En los artistas seleccionados esta relación adquiere otros significados, ya que su entorno e intención es totalmente distinta, no hay un sentido religioso, hay un desarrollo de concepto. Por ello, la propuesta personal se enfoca a integrar diversas formas que en este mundo contemporáneo adquieren otro significado, equivale a formular nuevas entidades de nuestra percepción visual, apoyadas en un esquema teórico, donde la definición de los objetos los sitúa como entidades permanentes en cuanto a la capacidad de un individuo de sintetizar sus experiencias, tomando en consideración que la percepción se circunscribe de acuerdo a una selección y configuración visual particular,
8. ESQUEMA DE TRABAJO
INTRODUCCIÓN
PRIMER CAPÍTULO
1. Hombre y naturaleza en el Códice Borgia
1.1 Forma, significado y contexto
1.2 El agua
1.3 El aire
1.4 El fuego
1.5 La tierra
SEGUNDO CAPÍTULO
2. El hombre: macrocosmos y microcosmos en el Arte Mexicano Contemporáneo.
2.1 El hombre y el agua
2.2 El hombre y el aire
2.3 El Hombre y el fuego
2.4 El hombre y la tierra
2.5 Desnudo y naturaleza
TERCER CAPÍTULO
3. Libro de artista: proceso creativo
3.1 El cuerpo y las asociaciones con los elementos
3.2 El cuerpo y relación con la naturaleza
3.2 Propuesta visual: El Bosque de la Niebla
3.3 Desarrollo: diseño, materiales y técnicas
CONCLUSIÓN
GLOSARIO
BIBLIOGRAFÍA
ÍNICE DE IMÁGENES
9. IMPACTO O CONTRIBUCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN
El análisis de las imágenes del Códice Borgia, en su gran mayoría ha sido elaborado por especialistas en áreas como la antropología, la arqueología y la historia, creo que como artista visual, el análisis y enfoque que pueda darle ofrecerá una lectura desde otro punto de vista. Asimismo, Rufino Tamayo, Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey ofrecen una serie de imágenes con el tema “hombre y naturaleza”, las cuales nos ofrecen otro panorama de significación, acorde a la época contemporánea y que es importante revisar.
10. RECURSOS MATERIALES Y TÉCNICOS DISPONIBLES
El proveerme de un estudio ha sido parte fundamental para el desarrollo de mi labor creativa. Actualmente cuento con un espacio personal de 10 x 5 mt2, equipado con dos caballetes, mesas de trabajo y suministrado de material. Como Investigadora del Instituto de Artes Plásticas, de la Universidad Veracruzana (UV) dispongo de un taller con un caballete y una mesa de trabajo. Asimismo puedo acceder, a la Unidad de Servicios Bibliotecarios e Informáticos (USBI), al Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, A.C.
También puedo utilizar un equipo de cómputo e impresora personal con acceso a Internet de banda ancha y una cámara digital de 6.0 mega pixeles.
11. RELACIÓN DE ACTIVIDADES POR SEMESTRE
Primer semestre
Selección de material documental
Elaboración de fichas por tema y autor
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, AC
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Segundo semestre
Análisis de material documental
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Huatusco, Ver.
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Tercer semestre
Elaborar y realizar entrevistas a Gilberto Aceves Navarro y Carla Rippey
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: La Pitaya, Coatepec, Ver.
Elaborar conclusiones (perspectiva teórica)
Producción de la obra
Elaborar ensayo de fin de semestre
Cuarto semestre
Producción de obra
Registro fotográfico de la obra producida
Elaboración del libro de artista
Elaborar ensayo de fin de semestre
Revisión de tesis
12. FUENTES DE INVESTIGACIÓN
12.1 BIBLIOGRAFÍA PROPUESTA
Arnheim, Rudolf, El pensamiento visual, Barcelona, Paidós, 1986.
Arnheim, Rudolf, Arte y percepción visual, Madrid, Alianza Editorial, 2001.
Calabrese, Omar, El lenguaje del arte, Barcelona, Paidós, 1987.
Calabrese, Omar, Como se lee una obra de arte, España, Cátedra, 1993.
Caso, Alfonso, El pueblo del sol, México, Fondo de Cultura Económica, 1983
Collingwood, R.G., Los principios del arte, México, Fondo de Cultura Económica, 1993.
Doczi, György, El poder de los límites, Argentina, Troquel, 1999.
Gris, Juan, De las posibilidades de la pintura y otros escritos, Barcelona, Gustavo Gili, 1971.
Hellion, Martha (Coordinadora), Libros de artista, Tomo I y II, España, Turner, 2003
López Austin, Alfredo, Cuerpo humano e ideología. Las concepciones de los
antiguos nahuas.2ª ed. México. Universidad Nacional Autónoma de México/
Instituto de Investigaciones Antropológicas. 1984.
Marina, José Antonio, Teoría de la creatividad, Barcelona, Anagrama, 1998
Panofsky, Edwin, El significado en las artes visuales, Madrid, Alianza, 2008
-----------------------Estudios sobre iconología, Madrid, Alianza, 2008
Krickeberg, Walter, Las antiguas culturas mexicanas, México, Fondo de Cultura Económica, 1961
Williams-Linera, Guadalupe, El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, México, CONABIO - Instituto de Ecología A.C., 2007.
domingo, 12 de abril de 2009
CUERPO Y VEGETACIÓN, VIVENCIA Y REFERENTE
Análisis comparativo entre la propuesta personal y las referencias visuales
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
El estudio de la figura humana es una parte fundamental de la enseñanza en las artes visuales, todo aspirante a artista, autodidacta o inscrito en alguna institución, aborda de manera ineludible su estudio, en su trayecto de profesionalización, cada alumno se inclina hacia ciertas temáticas, perfilando incluso tendencias y manejo de conceptos, también sucede que antes de ingresar a la enseñanza superior tengan predilección por uno o varios artistas, se identifican con su obra, en un inicio quisieran igualarlos, pero de manera natural finalmente son “ejemplos incitadores” o los toman como referencias visuales para desarrollar otros lenguajes y su propia creatividad.
Hay tres pautas visuales que considero importantes en mi desarrollo; el primero agrupa la obra de: Da Vinci, Miguel Ángel, Rembrandt, Van Gogh, Rodin, Klimt, Schiele y Freud; el segundo a Gilberto Aceves Navarro; y el tercero se orienta a mi propia experiencia visual.
El estudio de la figura humana fue el espacio de conocimiento mas importante en el inicio de mi profesionalización y que hasta la fecha prevalece; en este proceso hay una búsqueda del manejo de proporción, pero también como lo menciona Da Vinci (Zöllner 2005), “Cuando sabemos que la pintura abarca e incluye todas las cosas producidas por la naturaleza y todo cuanto se percibe con la vista […], pienso en el pobre maestro que sólo realiza bien una figura” (p110). Por ello, el ejercicio tenaz para profundizar e interpretar la figura humana supera una mera representación; la expresividad, así como las relaciones simbólicas que se puedan establecer, constituyen una parte fundamental de mi proceso. Esta posibilidad de conjugar forma, expresión y significado, ha sido el procedimiento conveniente e inagotable en mi desarrollo y también de muchos artistas que lo han utilizado por su misma capacidad ilimitada de asociaciones.
1. El cuerpo como estudio y expresión de la forma
El hecho de dibujar obras de otros artistas ha sido una dinámica establecida que consiste en seleccionar una obra de Da Vinci, Miguel Ángel, Rembrandt, Van Gogh, Rodin, Klimt, Schiele o Freud, que por lo regular es un desnudo, reproducirlo a partir de sus elementos formales realizando varios ejercicios gestuales, la idea es trabajar con una sola forma hasta lograr que se generen mis propias soluciones, ya sea dentro de lo formal o en el plano simbólico. La forma solo es el pretexto pero- ¿por que a partir de las obras de los artistas citados?; formalmente de Da Vinci, Rodin, Klimt y Schiele me ha interesado la gestualidad de la línea, en Miguel Ángel y Freud el volumen, en Rembrandt la composición, y en Van Gogh la pincelada. De igual manera, la obra escultórica de Miguel Ángel y Rodin me ha ofrecido la posibilidad de abordar la anatomía a través del plano tridimensional, pero de una fotografía (en la mayoría de los circunstancias), en este caso no hay líneas dibujada por sus autores, no hay un patrón a seguir, es mi percepción del volumen convertido a la línea y a la mancha “que se hunde, que sobresale”. Se trata no solo de examinar, traducir o simplemente describir un contorno, lo importante es ver el todo, en que parte unas manos ejercieron presión para hundir una masa, y en que otras se acumulo la materia para determinar un grosor. Lo significativo es que cada uno me ha revelado distintas y variadas maneras de abordar el volumen.
2. Forma y asociación
En la etapa de formación de un pintor regularmente nos acercamos o identificamos con determinados maestros; ya sea por su método de enseñanza, por que nos interesa su obra, por la amplitud de conocimiento que nos ofrece o por todas estas características que se conjugan, en ocasiones hasta nos volvemos sus discípulos e irremediablemente nuestro modo de pintar se asemeja al de ellos, y es decisivo en nuestro desarrollo profesional, en mi caso, ser discípula de Gilberto Aceves Navarro fue una experiencia determinante en mi formación. Se ha mencionado que el maestro Aceves ha formado a muchos artistas mediante su particular método de dibujo, por ahora sólo me enfocaré a uno de los aspectos que considero más significativos de acuerdo a mi perspectiva personal: la capacidad de asociación que una misma forma (imagen) puede generar. Los ejercicios de dibujo del Maestro Aceves son numerosos y muy diversos en cada sesión, en muchas ocasiones la idea era trabajar con una forma (por ejemplo un desnudo) por varias horas e incluso días; repetirlo una y otra vez, con línea, con mancha, en positivo, en negativo, ver y descifrar; hacer y reinterpretar, construir y deconstruir, -exprimirle las entrañas al modelo, de tal modo que, en este acto de saturación manen nuestras propias soluciones y asociaciones. La idea del Maestro es “provocar”, en su obra la constante de realizar series deriva de la selección de un personaje, que previamente ha dibujado por decenas, es la figura principal que transita a lo largo de todas las obras y en las cuales se percibe un acto constante y decisivo de encontrar. El volumen no es la luz y la sombra, el volumen es traducir o percibir lo que se hunde y lo que sobresale: en distintos niveles, en diversas áreas, que se contrae y que se expande. El volumen crece, se eleva, y poco a poco como ascendió, va menguando, empequeñece hasta perderse en el abismo de una epidermis.
Esta manera de trabajar, de apropiarse de una imagen, de profundizar en su significado, de pintar hasta saciarse del tema, es un modo de producción que a la fecha persiste, por ello la importancia de citarlo.
3. El cuerpo como soporte
El cuerpo, no solo es interesante en su forma, percepción y representación, sino también como un receptor de experiencias que en él se acumulan; desde que nacemos absorbemos diversos estímulos que a la vez nos sirven para comunicarnos. En esta primera etapa nuestro acercamiento al mundo es sensorial; el cuerpo, como recolector de imágenes, sonidos, olores, texturas y sabores nos ofrece un cúmulo interminable de vivencias que utilizamos como referentes visuales y simbólicos en el proceso creativo. Y es, en este sentido de asociaciones, especialmente con la naturaleza, que relaciono cuerpo y vegetación. El cuerpo tratado como una entidad donde cohabita lo humano y lo vegetal, como un gran rodillo girando a través de la vida y al que se le adhieren un sin fin de experiencias y sensaciones, que generan otros percepciones: el cuerpo y las plantas, el cuerpo y las semillas, el cuerpo y las hojas, el cuerpo y el agua, el cuerpo y las parteé del cuerpo, el cuerpo como soporte de sensaciones, el cuerpo como tierra, el cuerpo y los árboles, el cuerpo como retrato, el cuerpo y lo sólido, el cuerpo y lo frío, el cuerpo y lo muerto, el cuerpo y las huellas o el cuerpo rodando.
Mi cuerpo, traduce sensaciones en referente visuales que son inagotables y que en su proceso de asociación y selección es mi fuente documental mas utilizada.
Xalapa, Ver. abril de 2009
Referencias Bibliográficas
Zöllner, Frank (2005), Leonardo Da Vinci. Esbozos y dibujos, México: Océano.
Análisis comparativo entre la propuesta personal y las referencias visuales
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
El estudio de la figura humana es una parte fundamental de la enseñanza en las artes visuales, todo aspirante a artista, autodidacta o inscrito en alguna institución, aborda de manera ineludible su estudio, en su trayecto de profesionalización, cada alumno se inclina hacia ciertas temáticas, perfilando incluso tendencias y manejo de conceptos, también sucede que antes de ingresar a la enseñanza superior tengan predilección por uno o varios artistas, se identifican con su obra, en un inicio quisieran igualarlos, pero de manera natural finalmente son “ejemplos incitadores” o los toman como referencias visuales para desarrollar otros lenguajes y su propia creatividad.
Hay tres pautas visuales que considero importantes en mi desarrollo; el primero agrupa la obra de: Da Vinci, Miguel Ángel, Rembrandt, Van Gogh, Rodin, Klimt, Schiele y Freud; el segundo a Gilberto Aceves Navarro; y el tercero se orienta a mi propia experiencia visual.
El estudio de la figura humana fue el espacio de conocimiento mas importante en el inicio de mi profesionalización y que hasta la fecha prevalece; en este proceso hay una búsqueda del manejo de proporción, pero también como lo menciona Da Vinci (Zöllner 2005), “Cuando sabemos que la pintura abarca e incluye todas las cosas producidas por la naturaleza y todo cuanto se percibe con la vista […], pienso en el pobre maestro que sólo realiza bien una figura” (p110). Por ello, el ejercicio tenaz para profundizar e interpretar la figura humana supera una mera representación; la expresividad, así como las relaciones simbólicas que se puedan establecer, constituyen una parte fundamental de mi proceso. Esta posibilidad de conjugar forma, expresión y significado, ha sido el procedimiento conveniente e inagotable en mi desarrollo y también de muchos artistas que lo han utilizado por su misma capacidad ilimitada de asociaciones.
1. El cuerpo como estudio y expresión de la forma
El hecho de dibujar obras de otros artistas ha sido una dinámica establecida que consiste en seleccionar una obra de Da Vinci, Miguel Ángel, Rembrandt, Van Gogh, Rodin, Klimt, Schiele o Freud, que por lo regular es un desnudo, reproducirlo a partir de sus elementos formales realizando varios ejercicios gestuales, la idea es trabajar con una sola forma hasta lograr que se generen mis propias soluciones, ya sea dentro de lo formal o en el plano simbólico. La forma solo es el pretexto pero- ¿por que a partir de las obras de los artistas citados?; formalmente de Da Vinci, Rodin, Klimt y Schiele me ha interesado la gestualidad de la línea, en Miguel Ángel y Freud el volumen, en Rembrandt la composición, y en Van Gogh la pincelada. De igual manera, la obra escultórica de Miguel Ángel y Rodin me ha ofrecido la posibilidad de abordar la anatomía a través del plano tridimensional, pero de una fotografía (en la mayoría de los circunstancias), en este caso no hay líneas dibujada por sus autores, no hay un patrón a seguir, es mi percepción del volumen convertido a la línea y a la mancha “que se hunde, que sobresale”. Se trata no solo de examinar, traducir o simplemente describir un contorno, lo importante es ver el todo, en que parte unas manos ejercieron presión para hundir una masa, y en que otras se acumulo la materia para determinar un grosor. Lo significativo es que cada uno me ha revelado distintas y variadas maneras de abordar el volumen.
2. Forma y asociación
En la etapa de formación de un pintor regularmente nos acercamos o identificamos con determinados maestros; ya sea por su método de enseñanza, por que nos interesa su obra, por la amplitud de conocimiento que nos ofrece o por todas estas características que se conjugan, en ocasiones hasta nos volvemos sus discípulos e irremediablemente nuestro modo de pintar se asemeja al de ellos, y es decisivo en nuestro desarrollo profesional, en mi caso, ser discípula de Gilberto Aceves Navarro fue una experiencia determinante en mi formación. Se ha mencionado que el maestro Aceves ha formado a muchos artistas mediante su particular método de dibujo, por ahora sólo me enfocaré a uno de los aspectos que considero más significativos de acuerdo a mi perspectiva personal: la capacidad de asociación que una misma forma (imagen) puede generar. Los ejercicios de dibujo del Maestro Aceves son numerosos y muy diversos en cada sesión, en muchas ocasiones la idea era trabajar con una forma (por ejemplo un desnudo) por varias horas e incluso días; repetirlo una y otra vez, con línea, con mancha, en positivo, en negativo, ver y descifrar; hacer y reinterpretar, construir y deconstruir, -exprimirle las entrañas al modelo, de tal modo que, en este acto de saturación manen nuestras propias soluciones y asociaciones. La idea del Maestro es “provocar”, en su obra la constante de realizar series deriva de la selección de un personaje, que previamente ha dibujado por decenas, es la figura principal que transita a lo largo de todas las obras y en las cuales se percibe un acto constante y decisivo de encontrar. El volumen no es la luz y la sombra, el volumen es traducir o percibir lo que se hunde y lo que sobresale: en distintos niveles, en diversas áreas, que se contrae y que se expande. El volumen crece, se eleva, y poco a poco como ascendió, va menguando, empequeñece hasta perderse en el abismo de una epidermis.
Esta manera de trabajar, de apropiarse de una imagen, de profundizar en su significado, de pintar hasta saciarse del tema, es un modo de producción que a la fecha persiste, por ello la importancia de citarlo.
3. El cuerpo como soporte
El cuerpo, no solo es interesante en su forma, percepción y representación, sino también como un receptor de experiencias que en él se acumulan; desde que nacemos absorbemos diversos estímulos que a la vez nos sirven para comunicarnos. En esta primera etapa nuestro acercamiento al mundo es sensorial; el cuerpo, como recolector de imágenes, sonidos, olores, texturas y sabores nos ofrece un cúmulo interminable de vivencias que utilizamos como referentes visuales y simbólicos en el proceso creativo. Y es, en este sentido de asociaciones, especialmente con la naturaleza, que relaciono cuerpo y vegetación. El cuerpo tratado como una entidad donde cohabita lo humano y lo vegetal, como un gran rodillo girando a través de la vida y al que se le adhieren un sin fin de experiencias y sensaciones, que generan otros percepciones: el cuerpo y las plantas, el cuerpo y las semillas, el cuerpo y las hojas, el cuerpo y el agua, el cuerpo y las parteé del cuerpo, el cuerpo como soporte de sensaciones, el cuerpo como tierra, el cuerpo y los árboles, el cuerpo como retrato, el cuerpo y lo sólido, el cuerpo y lo frío, el cuerpo y lo muerto, el cuerpo y las huellas o el cuerpo rodando.
Mi cuerpo, traduce sensaciones en referente visuales que son inagotables y que en su proceso de asociación y selección es mi fuente documental mas utilizada.
Xalapa, Ver. abril de 2009
Referencias Bibliográficas
Zöllner, Frank (2005), Leonardo Da Vinci. Esbozos y dibujos, México: Océano.
viernes, 20 de marzo de 2009
Protocolo 3°versión
1. TÍTULO:
LA ESTRUCTURA HUMANA Y SU INTEGRACIÓN AL MUNDO VEGETAL. LIBRO DE ARTISTA
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
La problemática a resolver en la presente investigación es integrar la estructura humana con la vegetal, a partir de una selección de formas, fragmentación y proporción, sustentada en la teoría de la percepción y la forma. Es importante mencionar que en las diversas propuestas anteriormente realizadas de mi trabajo plástico, de manera paralela he abordado dos temas sustanciales: la figura humana y el mundo vegetal. Son escasos los ejemplos en los que estas dos formas se han interrelacionado mediante su estructura, por lo tanto creo acertado fusionar estos diálogos a partir de la presente investigación orientada hacia dos direcciones:
1. Teórica, que incluye una investigación documental que analice y compare desde el proceso de percepción las propuestas visuales de artistas que han abordado la estructura humana y la vegetal, y que a su vez se elabore un estudio comparativo en la botánica, utilizando el Método Analítico, el Método Sintético y el Método Deductivo.
2. Práctica, que consiste en producir un “libro de artista” con 30 obras sobre tela y sobre papel en técnicas mixtas, sustentada en la comprobación de que una estructura humana y una vegetal se pueden corresponder en forma y proporción, que se constituya a partir de las relaciones de: percepción, forma, estructura, figura, geometría, proporción y fragmento.
3. OBJETIVOS Y METAS
Objetivo general
El objetivo principal de la investigación es una propuesta pictórica sustentada en aspectos teóricos de la forma y la percepción; abordar la transformación de la línea que derive en una estructura y su analogía con otras estructuras, tomando en cuenta el tamaño y la proporción para desarrollar formas y composiciones que integren la anatomía humana y la arquitectura vegetal. La idea es plasmar en un libro de artista, una interrelación de ambas estructuras.
Objetivos particulares
Hacer un análisis documental a partir de los artistas: Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Lucian Freud, Vincent van Gogh, Piet Mondrian, Anselm Kiefer, Paul Klee, Gustav Klimt, Geogia O’Keefee y Sigman Polke, asi como autores de tratados anatómicos y de proporción: Gyögy Doczi, Le Corbusier y Sara Simblet.
Realizar una investigación documental y registro fotográfico del “Bosque de niebla” (ubicado en el estado de Veracruz), estudiando tratados de biología, crecimiento y desarrollo de las plantas, organografía y arquitectura vegetal.
Realizar una investigación documental enfocada al tema de la figura humana y lo vegetal en los libros de artista.
Hacer un “libro de artista” basado en los conceptos de: forma, estructura y proporción de la anatomía humana y orquídeas y helechos del “Bosque de niebla”.
Metas
Realizar un libro de artista dividido en tres secciones:
Primera sección: plantear una visión microscópica del Bosque de Niebla en relación a los pies.
Segunda sección: proponer visualmente una equivalencia de formas y estructuras del Bosque de Niebla en proporción a la figura humana.
Tercera sección: proyectar una visión macro del Bosque de Niebla; modificación de la forma y su estructura a partir de elementos poco visibles o lejanos al ojo humano: tamaño y proporción.
Nota: propongo realizar por cada sección del libro: 10 obras sobre tela y/o papel, en técnica mixta, de 50 x 50 cm. cada una (total de obras: 30 obras). Intervenir el campo pictórico con máquina de coser, aguja e hilo y engrapadora, para delimitar una forma.
4. ANTECEDENTES DEL PROBLEMA
La línea es un elemento primordial para describir la forma; figurativa o no, los artistas la han utilizado no solamente como una pura visualización en sus bocetos, puede ocupar un lugar decisivo hasta el extremo de ser el tema fundamental de la obra. La línea delimita la forma, y la forma como lo plantea Dorfles (1972, p. 243) “está en realidad, implícita en la estructura, y no a la inversa” de ahí que es posible plantear una estructura que sea el componente de una disposición en el plano pictórico, como lo presenta Piet Mondrian en sus obras: El árbol rojo, El árbol o El árbol gris o Paul Klee que desarrolla una serie de relaciones de verticales y horizontales, subrayando ya sea la curvatura o la rectitud en sus composiciones. Asimismo, artistas contemporáneos, como Anselm Kiefer o Sigmar Polke hacen propuestas visuales en las que cohabitan estructuras superpuestas a partir de la geometría.
A partir de dos temas que han sido característicos en mi obra; la figura humana y el mundo vegetal, se ha establecido un diálogo entre formas y estructuras, las cuales comparten una constante visual: la línea, elemento que en sus diversos planteamientos, deriva o se integra a una estructura.
5. PROPOSICIÓN O HIPÓTESIS
La integración de la estructura humana (sistema cardiovascular, sistema muscular y esqueleto, sistema nervioso) y las estructuras implícitas en el mundo vegetal, pueden relacionarse a través del ejercicio plástico.
La agrupación de estructuras puede derivar en una percepción no configurada del contexto
La relación: figura fondo, estructura vegetal y estructura humana y, percepción se traducen en una correspondencia de analogías.
6. ESTRATEGIAS DE PRODUCCIÓN Y PERSPECTIVA TEÓRICO-METODOLÓGICA
Se plantea elaborar esta investigación a través de los siguientes métodos:
Método Analítico: se aplica a la investigación documental para catalogar y dividir los temas tratados, resuelve a través del razonamiento
Método Sintético: Establece la unión o relación entre los temas analizados para establecer nuevos criterios.
Método Deductivo: A partir de propuestas establecidas por la teoría de la percepción y de los tratados de anatomía, proponer que existe una analogía entre la estructura humana y la vegetal.
Esquema práctico:
Registro fotográfico del Bosque de Niebla
Bocetos in situ y en taller a partir de los conceptos teóricos
Preparación de los soportes y selección de materiales
Diseño del libro de artista
Elaboración de la obra basada en los resultados de la investigación teórica
Fabricación del libro de artista
7. ESTRUCTURA CONCEPTUAL
La forma puede representar un objeto específico o delimitar una forma abstracta, la cual es influenciada de acuerdo a nuestro entorno, referencias y asociaciones visuales, que permiten formularnos un significado.
El propósito de integrar diversas estructuras en un mismo plano equivale a formular nuevas entidades de nuestra percepción visual, apoyada en un esquema teórico, donde la definición de los objetos los sitúa como entidades permanentes en cuanto a la capacidad de un individuo de sintetizar sus experiencias, tomando en consideración que la percepción se circunscribe de acuerdo a una selección y configuración visual particular.
8. ESQUEMA DE TRABAJO
INTRODUCCIÓN
Primer capítulo
1. ANATOMÍA, UNA IDEA CONSTRUCTIVA
1.1 Anatomía humana
1.2 La estructura vegetal en el “Bosque de niebla”
1.3 Autores y propuestas visuales
Segundo capítulo
2. LIBROS DE ARTISTA
2.1 La figura humana como tema
2.2 La vegetación: materia y concepto
2.3 Artistas y obra
Tercer capítulo
3. LA ESTRUCTURA HUMANA Y LA VEGETAL COMO TEMA EN UN LIBROS DE ARTISTA
3.1 Proceso creativo
3.1.1 Diseño y estructura
3.1.2 Materiales y técnicas
3.1.3 Desarrollo
3.2 Propuesta visual
CONCLUSIÓN
NOTAS
GLOSARIO
BIBLIOGRAFÍA
ÍNICE DE IMÁGENES
9. IMPACTO O CONTRIBUCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN
El tema de la forma, la estructura y la percepción han sido estudiados por un gran número de autores, sin embargo creo oportuno vincular estos conceptos con otras disciplinas, como es el caso de la botánica, en su estudio particular de la anatomía y la organografía; destacar sus similitudes y semejanzas de acuerdo a una proporción establecida que pueda proporcionar un diálogo entre dos estructuras.
10. RECURSOS MATERIALES Y TÉCNICOS DISPONIBLES
El proveerme de un estudio ha sido parte fundamental para el desarrollo de mi labor creativa. Actualmente cuento con un espacio personal de 10 x 5 mt2, equipado con dos caballetes, mesas de trabajo y suministrado de material. Como Investigadora del Instituto de Artes Plásticas, de la Universidad Veracruzana (UV) dispongo de un taller con un caballete y una mesa de trabajo. Asimismo puedo acceder, a la Unidad de Servicios Bibliotecarios e Informáticos (USBI), al Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, A.C.
También puedo utilizar un equipo de cómputo e impresora personal con acceso a Internet de banda ancha y una cámara digital de 6.0 mega pixeles.
11. RELACIÓN DE ACTIVIDADES POR SEMESTRE
Primer semestre
Selección de material documental
Elaboración de fichas por tema y autor
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, AC
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Segundo semestre
Análisis de material documental
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Huatusco, Ver.
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Tercer semestre
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: La Pitaya, Coatepec, Ver.
Elaborar conclusiones (perspectiva teórica)
Producción de la obra
Elaborar ensayo de fin de semestre
Cuarto semestre
Producción de obra
Registro fotográfico de la obra producida
Elaboración del libro de artista
Elaborar ensayo de fin de semestre
Revisión de tesis
12. FUENTES DE INVESTIGACIÓN
12.1 BIBLIOGRAFÍA PROPUESTA
Arnheim, Rudolf, El pensamiento visual, Barcelona, Paidós, 1986.
Arnheim, Rudolf, Arte y percepción visual, Madrid, Alianza Editorial, 2001.
Calabrese, Omar, El lenguaje del arte, Barcelona, Paidós, 1987.
Calabrese, Omar, Como se lee una obra de arte, España, Cátedra, 1993.
Collingwood, R.G., Los principios del arte, México, Fondo de Cultura Económica, 1993.
Doczi, György, El poder de los límites, Argentina, Troquel, 1999.
Gris, Juan, De las posibilidades de la pintura y otros escritos, Barcelona, Gustavo Gili, 1971.
Hall, Edward T., La dimensión oculta, México, Siglo Veintiuno Editores, 1983
Hellion, Martha (Coordinadora), Libros de artista, Tomo I y II, España, Turner, 2003
Marina, José Antonio, Teoría de la creatividad, Barcelona, Anagrama, 1998
Staatliches Museum Schwerin, Sigmar Polke, Transit, Germany, 1996.
Temkin, Ann, Contemporary Voices. Works from the UBS Art Collection, Italy, The Museum of Modern Art, 2005.
Williams-Linera, Guadalupe, El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, México, CONABIO - Instituto de Ecología A.C., 2007.
LA ESTRUCTURA HUMANA Y SU INTEGRACIÓN AL MUNDO VEGETAL. LIBRO DE ARTISTA
2. PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
La problemática a resolver en la presente investigación es integrar la estructura humana con la vegetal, a partir de una selección de formas, fragmentación y proporción, sustentada en la teoría de la percepción y la forma. Es importante mencionar que en las diversas propuestas anteriormente realizadas de mi trabajo plástico, de manera paralela he abordado dos temas sustanciales: la figura humana y el mundo vegetal. Son escasos los ejemplos en los que estas dos formas se han interrelacionado mediante su estructura, por lo tanto creo acertado fusionar estos diálogos a partir de la presente investigación orientada hacia dos direcciones:
1. Teórica, que incluye una investigación documental que analice y compare desde el proceso de percepción las propuestas visuales de artistas que han abordado la estructura humana y la vegetal, y que a su vez se elabore un estudio comparativo en la botánica, utilizando el Método Analítico, el Método Sintético y el Método Deductivo.
2. Práctica, que consiste en producir un “libro de artista” con 30 obras sobre tela y sobre papel en técnicas mixtas, sustentada en la comprobación de que una estructura humana y una vegetal se pueden corresponder en forma y proporción, que se constituya a partir de las relaciones de: percepción, forma, estructura, figura, geometría, proporción y fragmento.
3. OBJETIVOS Y METAS
Objetivo general
El objetivo principal de la investigación es una propuesta pictórica sustentada en aspectos teóricos de la forma y la percepción; abordar la transformación de la línea que derive en una estructura y su analogía con otras estructuras, tomando en cuenta el tamaño y la proporción para desarrollar formas y composiciones que integren la anatomía humana y la arquitectura vegetal. La idea es plasmar en un libro de artista, una interrelación de ambas estructuras.
Objetivos particulares
Hacer un análisis documental a partir de los artistas: Leonardo da Vinci, Alberto Durero, Lucian Freud, Vincent van Gogh, Piet Mondrian, Anselm Kiefer, Paul Klee, Gustav Klimt, Geogia O’Keefee y Sigman Polke, asi como autores de tratados anatómicos y de proporción: Gyögy Doczi, Le Corbusier y Sara Simblet.
Realizar una investigación documental y registro fotográfico del “Bosque de niebla” (ubicado en el estado de Veracruz), estudiando tratados de biología, crecimiento y desarrollo de las plantas, organografía y arquitectura vegetal.
Realizar una investigación documental enfocada al tema de la figura humana y lo vegetal en los libros de artista.
Hacer un “libro de artista” basado en los conceptos de: forma, estructura y proporción de la anatomía humana y orquídeas y helechos del “Bosque de niebla”.
Metas
Realizar un libro de artista dividido en tres secciones:
Primera sección: plantear una visión microscópica del Bosque de Niebla en relación a los pies.
Segunda sección: proponer visualmente una equivalencia de formas y estructuras del Bosque de Niebla en proporción a la figura humana.
Tercera sección: proyectar una visión macro del Bosque de Niebla; modificación de la forma y su estructura a partir de elementos poco visibles o lejanos al ojo humano: tamaño y proporción.
Nota: propongo realizar por cada sección del libro: 10 obras sobre tela y/o papel, en técnica mixta, de 50 x 50 cm. cada una (total de obras: 30 obras). Intervenir el campo pictórico con máquina de coser, aguja e hilo y engrapadora, para delimitar una forma.
4. ANTECEDENTES DEL PROBLEMA
La línea es un elemento primordial para describir la forma; figurativa o no, los artistas la han utilizado no solamente como una pura visualización en sus bocetos, puede ocupar un lugar decisivo hasta el extremo de ser el tema fundamental de la obra. La línea delimita la forma, y la forma como lo plantea Dorfles (1972, p. 243) “está en realidad, implícita en la estructura, y no a la inversa” de ahí que es posible plantear una estructura que sea el componente de una disposición en el plano pictórico, como lo presenta Piet Mondrian en sus obras: El árbol rojo, El árbol o El árbol gris o Paul Klee que desarrolla una serie de relaciones de verticales y horizontales, subrayando ya sea la curvatura o la rectitud en sus composiciones. Asimismo, artistas contemporáneos, como Anselm Kiefer o Sigmar Polke hacen propuestas visuales en las que cohabitan estructuras superpuestas a partir de la geometría.
A partir de dos temas que han sido característicos en mi obra; la figura humana y el mundo vegetal, se ha establecido un diálogo entre formas y estructuras, las cuales comparten una constante visual: la línea, elemento que en sus diversos planteamientos, deriva o se integra a una estructura.
5. PROPOSICIÓN O HIPÓTESIS
La integración de la estructura humana (sistema cardiovascular, sistema muscular y esqueleto, sistema nervioso) y las estructuras implícitas en el mundo vegetal, pueden relacionarse a través del ejercicio plástico.
La agrupación de estructuras puede derivar en una percepción no configurada del contexto
La relación: figura fondo, estructura vegetal y estructura humana y, percepción se traducen en una correspondencia de analogías.
6. ESTRATEGIAS DE PRODUCCIÓN Y PERSPECTIVA TEÓRICO-METODOLÓGICA
Se plantea elaborar esta investigación a través de los siguientes métodos:
Método Analítico: se aplica a la investigación documental para catalogar y dividir los temas tratados, resuelve a través del razonamiento
Método Sintético: Establece la unión o relación entre los temas analizados para establecer nuevos criterios.
Método Deductivo: A partir de propuestas establecidas por la teoría de la percepción y de los tratados de anatomía, proponer que existe una analogía entre la estructura humana y la vegetal.
Esquema práctico:
Registro fotográfico del Bosque de Niebla
Bocetos in situ y en taller a partir de los conceptos teóricos
Preparación de los soportes y selección de materiales
Diseño del libro de artista
Elaboración de la obra basada en los resultados de la investigación teórica
Fabricación del libro de artista
7. ESTRUCTURA CONCEPTUAL
La forma puede representar un objeto específico o delimitar una forma abstracta, la cual es influenciada de acuerdo a nuestro entorno, referencias y asociaciones visuales, que permiten formularnos un significado.
El propósito de integrar diversas estructuras en un mismo plano equivale a formular nuevas entidades de nuestra percepción visual, apoyada en un esquema teórico, donde la definición de los objetos los sitúa como entidades permanentes en cuanto a la capacidad de un individuo de sintetizar sus experiencias, tomando en consideración que la percepción se circunscribe de acuerdo a una selección y configuración visual particular.
8. ESQUEMA DE TRABAJO
INTRODUCCIÓN
Primer capítulo
1. ANATOMÍA, UNA IDEA CONSTRUCTIVA
1.1 Anatomía humana
1.2 La estructura vegetal en el “Bosque de niebla”
1.3 Autores y propuestas visuales
Segundo capítulo
2. LIBROS DE ARTISTA
2.1 La figura humana como tema
2.2 La vegetación: materia y concepto
2.3 Artistas y obra
Tercer capítulo
3. LA ESTRUCTURA HUMANA Y LA VEGETAL COMO TEMA EN UN LIBROS DE ARTISTA
3.1 Proceso creativo
3.1.1 Diseño y estructura
3.1.2 Materiales y técnicas
3.1.3 Desarrollo
3.2 Propuesta visual
CONCLUSIÓN
NOTAS
GLOSARIO
BIBLIOGRAFÍA
ÍNICE DE IMÁGENES
9. IMPACTO O CONTRIBUCIÓN DE LA INVESTIGACIÓN
El tema de la forma, la estructura y la percepción han sido estudiados por un gran número de autores, sin embargo creo oportuno vincular estos conceptos con otras disciplinas, como es el caso de la botánica, en su estudio particular de la anatomía y la organografía; destacar sus similitudes y semejanzas de acuerdo a una proporción establecida que pueda proporcionar un diálogo entre dos estructuras.
10. RECURSOS MATERIALES Y TÉCNICOS DISPONIBLES
El proveerme de un estudio ha sido parte fundamental para el desarrollo de mi labor creativa. Actualmente cuento con un espacio personal de 10 x 5 mt2, equipado con dos caballetes, mesas de trabajo y suministrado de material. Como Investigadora del Instituto de Artes Plásticas, de la Universidad Veracruzana (UV) dispongo de un taller con un caballete y una mesa de trabajo. Asimismo puedo acceder, a la Unidad de Servicios Bibliotecarios e Informáticos (USBI), al Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, A.C.
También puedo utilizar un equipo de cómputo e impresora personal con acceso a Internet de banda ancha y una cámara digital de 6.0 mega pixeles.
11. RELACIÓN DE ACTIVIDADES POR SEMESTRE
Primer semestre
Selección de material documental
Elaboración de fichas por tema y autor
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero del Instituto de Ecología, AC
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Segundo semestre
Análisis de material documental
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: Huatusco, Ver.
Realización de bocetos
Elaborar ensayo de fin de semestre
Tercer semestre
Registro fotográfico: Bosque de Niebla, zona: La Pitaya, Coatepec, Ver.
Elaborar conclusiones (perspectiva teórica)
Producción de la obra
Elaborar ensayo de fin de semestre
Cuarto semestre
Producción de obra
Registro fotográfico de la obra producida
Elaboración del libro de artista
Elaborar ensayo de fin de semestre
Revisión de tesis
12. FUENTES DE INVESTIGACIÓN
12.1 BIBLIOGRAFÍA PROPUESTA
Arnheim, Rudolf, El pensamiento visual, Barcelona, Paidós, 1986.
Arnheim, Rudolf, Arte y percepción visual, Madrid, Alianza Editorial, 2001.
Calabrese, Omar, El lenguaje del arte, Barcelona, Paidós, 1987.
Calabrese, Omar, Como se lee una obra de arte, España, Cátedra, 1993.
Collingwood, R.G., Los principios del arte, México, Fondo de Cultura Económica, 1993.
Doczi, György, El poder de los límites, Argentina, Troquel, 1999.
Gris, Juan, De las posibilidades de la pintura y otros escritos, Barcelona, Gustavo Gili, 1971.
Hall, Edward T., La dimensión oculta, México, Siglo Veintiuno Editores, 1983
Hellion, Martha (Coordinadora), Libros de artista, Tomo I y II, España, Turner, 2003
Marina, José Antonio, Teoría de la creatividad, Barcelona, Anagrama, 1998
Staatliches Museum Schwerin, Sigmar Polke, Transit, Germany, 1996.
Temkin, Ann, Contemporary Voices. Works from the UBS Art Collection, Italy, The Museum of Modern Art, 2005.
Williams-Linera, Guadalupe, El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, México, CONABIO - Instituto de Ecología A.C., 2007.
Que es una tesis de maestría en Artes Visuales
QUE ES UNA TESIS DE MAESTRÍA EN ARTES VISUALES
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas
Universidad Veracruzana
De modo muy general, una tesis de maestría en artes visuales es un trabajo de investigación que aborda un tema del área mediante la selección y análisis documental que concluye en una reflexión que se presenta mediante un texto y que en numerosas ocasiones incluye la producción de obra artística. Esta última es una característica que marca la diferencia con otros campos del conocimiento. La investigación en las artes visuales aborda teorías y conceptos aplicables a la obra que será producida.
Ciencias, humanidades y artes son espacios muy diversos, sin embargo es innegable que de algún modo se retroalimentan. Existen ejemplos de creadores visuales que incursionaron (mediante carreras profesionales, cursos, diplomados, etc.) a otros campos del conocimiento antes o después de ser artistas y que en muchas ocasiones, esta circunstancia a favorecido su obra o sirve para implementar estrategias de promoción y difusión de su quehacer artístico, entre otras cosas. La obra del artista es el reflejo de su contexto, su conocimiento no solo aplica a las artes visuales y al objeto particular de estudio, también engloba todo aquello que lo circunde y que pueda generar diálogos con otras ciencias. La situación viene al caso porque en la investigación que actualmente realizo, La estructura humana y su integración al mundo vegetal. Libro de artista, interviene la botánica, de tal manera que la implementación de un método de investigación facilita que distintas áreas del conocimiento; teoría del arte, botánica y producción artística, logren mediante el análisis y la reflexión, puntos de convergencia que permitan elaborar una propuesta visual sustentada en la analogía de la estructura humana con la vegetal.
A continuación destaco algunos puntos que considero relevantes en la elaboración de una tesis de maestría en Artes Visuales.
1. El título de la tesis es la síntesis del problema que se aborda, así como la orientación del trabajo. Si nosotros elaboramos un título breve, entre 15 y 20 palabras, tendremos un referente conciso de nuestro tema, el Boletín de la Sociedad Peruana de Medicina Interna (1996, 1) recomienda que “debe ser breve, claro, preciso y contener las variables del problema de estudio”
2. Selección del tema es la parte fundamental para iniciar la investigación y con ello podrían plantearse hipótesis, establecen alcances, delimitaciones y metodología. Es aconsejable que el tema seleccionado sea el resultado cronológico a las temáticas precedidas de nuestra producción artística, como consecuencia lógica del desarrollo profesional que en muchos casos favorecer la localización de las fuentes y materiales documentales.
3. Método de investigación y Organización de las acciones. Realizar una tesis en artes visuales que pueda o no contemplar otras áreas y producir la obra, obliga necesariamente a formular un “como”, seleccionando la metodología de investigación y un “cuando”, elaborando un cronograma de trabajo. El primero ordena el proceso y el segundo es una herramienta de planeación y seguimiento de las actividades.
4. Investigación documental. La recopilación, organización y análisis de documentos, permite hacer las primeras reflexiones para argumentar o reestructurar nuestra hipótesis.
5. Estructura de la tesis
Título. El título es la síntesis del problema a resolver y su dimensión, el subtítulo se ocupa de precisar el contenido.
Agradecimientos. Incluye a personas e instituciones que apoyaron la investigación en la recopilación documental, en lo financiero y en aquellas acciones que facilitaron nuestro proceso de investigación. Se recomienda que los agradecimientos no excedan una página.
Índice. Son las acciones lógicas que corresponden a las secciones numeradas en que se divide el contenido de la tesis.
Introducción. Es el antecedente y la ubicación actual del tema, se definen criterios, objetivos e hipótesis.
Literatura consultada. Deben presentarse en orden alfabético. Para las referencias bibliográficas se recomienda utilizar las normas establecidas por la American Psychological Association (APA).
Recomendaciones:
1. Determinar al día un horario para la realización de la tesis, lo suficientemente dinámico en las actividades para que no resulte tedioso hacer una misma acción por un largo periodo.
2. Elaborar fichas de trabajo y organizarlas por tema y/o por autor
3. Realizar un acopio documental de imágenes
4. Respetar el cronograma de trabajo a fin de lograr los objetivos establecidos a corto, mediano y largo plazo.
5. Subrayar los textos (si son de nuestra propiedad) con distintos colores que correspondan a temas diferentes o marcar con bandas (Post-it), si es necesario hacer anotaciones, escribirlas en tarjetas de papel adherible.
Por último quiero destacar que toda investigación involucra la extensión del conocimiento, circunstancia que enriquece nuestro intelecto, el cual se verá manifestado en un espacio creativo.
Xalapa, Ver., enero de 2009.
PÁGINAS ELECTRÓNICAS CONSULTADAS
dieumsnh.qfb.umich.mx/gesinfo/tesis.htm
dis.unal.edu.co/~fgonza/courses/2004-II/seminario/tesisMaestria.pdf
sisbib.unmsm.edu.pe/BVRevistas/spmi/v09n2/título.htm
www.palermo.edu/normas_y_reglamentos/reglamentotesis_maestria.pdf
www.cafyd.com/REVISTA/ojs/index.php/bbddcafyd/index
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas
Universidad Veracruzana
De modo muy general, una tesis de maestría en artes visuales es un trabajo de investigación que aborda un tema del área mediante la selección y análisis documental que concluye en una reflexión que se presenta mediante un texto y que en numerosas ocasiones incluye la producción de obra artística. Esta última es una característica que marca la diferencia con otros campos del conocimiento. La investigación en las artes visuales aborda teorías y conceptos aplicables a la obra que será producida.
Ciencias, humanidades y artes son espacios muy diversos, sin embargo es innegable que de algún modo se retroalimentan. Existen ejemplos de creadores visuales que incursionaron (mediante carreras profesionales, cursos, diplomados, etc.) a otros campos del conocimiento antes o después de ser artistas y que en muchas ocasiones, esta circunstancia a favorecido su obra o sirve para implementar estrategias de promoción y difusión de su quehacer artístico, entre otras cosas. La obra del artista es el reflejo de su contexto, su conocimiento no solo aplica a las artes visuales y al objeto particular de estudio, también engloba todo aquello que lo circunde y que pueda generar diálogos con otras ciencias. La situación viene al caso porque en la investigación que actualmente realizo, La estructura humana y su integración al mundo vegetal. Libro de artista, interviene la botánica, de tal manera que la implementación de un método de investigación facilita que distintas áreas del conocimiento; teoría del arte, botánica y producción artística, logren mediante el análisis y la reflexión, puntos de convergencia que permitan elaborar una propuesta visual sustentada en la analogía de la estructura humana con la vegetal.
A continuación destaco algunos puntos que considero relevantes en la elaboración de una tesis de maestría en Artes Visuales.
1. El título de la tesis es la síntesis del problema que se aborda, así como la orientación del trabajo. Si nosotros elaboramos un título breve, entre 15 y 20 palabras, tendremos un referente conciso de nuestro tema, el Boletín de la Sociedad Peruana de Medicina Interna (1996, 1) recomienda que “debe ser breve, claro, preciso y contener las variables del problema de estudio”
2. Selección del tema es la parte fundamental para iniciar la investigación y con ello podrían plantearse hipótesis, establecen alcances, delimitaciones y metodología. Es aconsejable que el tema seleccionado sea el resultado cronológico a las temáticas precedidas de nuestra producción artística, como consecuencia lógica del desarrollo profesional que en muchos casos favorecer la localización de las fuentes y materiales documentales.
3. Método de investigación y Organización de las acciones. Realizar una tesis en artes visuales que pueda o no contemplar otras áreas y producir la obra, obliga necesariamente a formular un “como”, seleccionando la metodología de investigación y un “cuando”, elaborando un cronograma de trabajo. El primero ordena el proceso y el segundo es una herramienta de planeación y seguimiento de las actividades.
4. Investigación documental. La recopilación, organización y análisis de documentos, permite hacer las primeras reflexiones para argumentar o reestructurar nuestra hipótesis.
5. Estructura de la tesis
Título. El título es la síntesis del problema a resolver y su dimensión, el subtítulo se ocupa de precisar el contenido.
Agradecimientos. Incluye a personas e instituciones que apoyaron la investigación en la recopilación documental, en lo financiero y en aquellas acciones que facilitaron nuestro proceso de investigación. Se recomienda que los agradecimientos no excedan una página.
Índice. Son las acciones lógicas que corresponden a las secciones numeradas en que se divide el contenido de la tesis.
Introducción. Es el antecedente y la ubicación actual del tema, se definen criterios, objetivos e hipótesis.
Literatura consultada. Deben presentarse en orden alfabético. Para las referencias bibliográficas se recomienda utilizar las normas establecidas por la American Psychological Association (APA).
Recomendaciones:
1. Determinar al día un horario para la realización de la tesis, lo suficientemente dinámico en las actividades para que no resulte tedioso hacer una misma acción por un largo periodo.
2. Elaborar fichas de trabajo y organizarlas por tema y/o por autor
3. Realizar un acopio documental de imágenes
4. Respetar el cronograma de trabajo a fin de lograr los objetivos establecidos a corto, mediano y largo plazo.
5. Subrayar los textos (si son de nuestra propiedad) con distintos colores que correspondan a temas diferentes o marcar con bandas (Post-it), si es necesario hacer anotaciones, escribirlas en tarjetas de papel adherible.
Por último quiero destacar que toda investigación involucra la extensión del conocimiento, circunstancia que enriquece nuestro intelecto, el cual se verá manifestado en un espacio creativo.
Xalapa, Ver., enero de 2009.
PÁGINAS ELECTRÓNICAS CONSULTADAS
dieumsnh.qfb.umich.mx/gesinfo/tesis.htm
dis.unal.edu.co/~fgonza/courses/2004-II/seminario/tesisMaestria.pdf
sisbib.unmsm.edu.pe/BVRevistas/spmi/v09n2/título.htm
www.palermo.edu/normas_y_reglamentos/reglamentotesis_maestria.pdf
www.cafyd.com/REVISTA/ojs/index.php/bbddcafyd/index
Una mirada preliminar: la relación de los antecedentes y el acopio de información
Una mirada preliminar: la relación de los antecedentes y el acopio de información en una investigación de maestría en Artes Visuales
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
Todo proyecto de investigación obliga a implementar procedimientos metodológicos a fin de lograr el objetivo de manera organizada y sistemática. La elección del tema indica ajustarlo a un marco teórico e histórico, considerando un enfoque particular; se efectúa un análisis exhaustivo y se seleccionan las fuentes documentales de los tópicos que nos interesan abordar y que, a través su interacción sean propositivos en sus resultados y enfaticen una interpretación personal a las ya consideradas por otros estudiosos del área.
Como resultado de experiencias anteriores, creo oportuno comentar que al iniciar una investigación me ha resultado fundamental la relación que se establece entre el acopio de información y su estrecha correspondencia con el apartado de antecedentes que se especifica en el proyecto. En un principio y una vez elegido el tema, se definen los conceptos, las teorías y/o autores que apoyen nuestra hipótesis, la orientación desde donde se aborde nuestro tema, así como los paralelismos o analogías que decidamos indagar, son las premisas cardinales para efectuar una recolección de datos, pues implica una organización y clasificación por fuentes, autores y temas.
Asimismo, cabe señalar que para seleccionar el tema de una investigación recomiendo extender el campo de conocimiento de los conceptos abordados que con anterioridad hemos utilizado o han sido recurrentes en nuestra vida profesional como artistas: ¿cuáles son nuestras motivaciones, conceptos, técnicas?, ¿desde que perspectiva observamos, indagamos?, ¿que alimenta nuestro mundo visual?. En consecuencia resolví no apartarme de las propuestas visuales que he venido realizando a lo largo de mi trabajo profesional y que a la fecha prevalecen en sus temáticas y conceptos. Lo significativo en esta investigación es orientar mi trabajo hacia un distinto enfoque que me permita profundizar, analizar y examinar desde otra perspectiva de conocimiento teórico y visual, ideas no exploradas en mi quehacer artístico.
A lo largo de mi desarrollo, han prevalecido dos características en las propuestas visuales que he planteado, la primera se refiere a la forma: el tema seleccionado lo hago de manera seriada, es decir- ejecuto obras, que varían en número desde 10 o hasta más de 50, lo cual me permite una progresión de posibilidades formales sobre el mismo.
La segunda característica es que, desde mis años como alumna en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, me ha interesado el estudio de la figura humana, para lo cual, trabajar sesiones con modelos ha sido fundamental, así como indagar sobre las propuestas de artistas que principalmente utilizan figura humana en sus obras. Para mí, lo esencial radica en la relación de un cuerpo, completo o seccionado, desnudo o vestido y que en una capacidad de asociaciones pueda lograr un vínculo con otros conceptos.
De las creaciones plasmadas con figura humana, quiero enfatizar una serie realizada en el año 2004, Memoria vegetal, integrada por: óleos sobre tela, grabados al aguafuerte y dibujos en papel. Las obras estaban constituidas a partir de imágenes seccionadas de cuerpos femeninos y masculinos, integradas con formas vegetales, la disposición espacio se planteaba desde una perspectiva a vista de pájaro con punto de fuga central (imagen 1).
Una vez concluida la serie y tomando la debida distancia temporal, me formulé varias preguntas que por un lado, atendían a la proporción del cuerpo humano: sus interpretaciones simbólicas en su totalidad o a modo de secciones; en su visión física externa o adentrándose en sus órganos, y por otro las plantas: sus estructuras y la disposición y desarrollo de su crecimiento, así como las estructuras que integran a ambas formas (hombre y planta). Pero estas interrogantes debían responderse a través de un ejercicio académico indagatorio que pudiera orientarse en un discurso contemporáneo, debido a que el tema de la figura humana, así como el mundo vegetal han sido bastante recurrentes a lo largo de la historia del arte.
Imagen 1
Partiendo de estas incógnitas y desde mi particular punto de vista, el tema de la figura humana es inagotable puesto que desde una perspectiva actual existen y cohabitan nuevas propuestas para abordar tal asunto. Específicamente me refiero a las siguientes variantes y modos de hacer arte: el uso de materiales diversos (no adquiridos en tiendas especializadas para artistas), el acceso y uso de la información en medios masivos como la televisión y la Internet, la libertad de accesar a otros campos del conocimiento y de las artes, llámese interdisciplina o multidisciplina y el uso de la tecnología, entre otras.
En la investigación que ahora me ocupa, el título fue determinado tratando de englobar de manera sintética el objeto de estudio: La estructura humana y su integración al mundo vegetal. Libro de artista. Bajo esta condición establecí los contenidos sustanciales y de igual manera los parámetros para el acopio de información.
El material documental lo dividí de acuerdo al título, puesto que me indica los temas a desarrollar, así mismo resolví que debía seleccionar, identificar y puntualizar el campo indagatorio para utilizarlo como una ruta de conocimiento específico.
A continuación señalo los temas a tratar y describo como se realizó la selección de la información en cada uno.
Anatomía humana.
La figura humana ha sido un tema significativo en la historia de las artes plásticas, sus interpretaciones en las distintas corrientes artísticas, como de las perspectivas tan heterogéneas y culturales han constituido un vasto panorama de propuestas a la forma y al concepto. El cuerpo humano: como intérprete de nuestro contexto, como medio perceptivo, como recolector de imágenes, como filtro analítico, hasta el punto de utilizarlo como soporte de nuestra propia obra, por ejemplo el body art, ha enriqueciendo nuestro universo simbólico.
En lo referente a la búsqueda de estudios de anatomía humana era ineludible excluir los textos de Leonardo da Vinci y Alberto Durero, pero también libros con imágenes fotográficas como el de Sarah Simblet o El poder de los límites de Doczi (1999) que explica “algunos de los procesos básicos formadores de patrones” (p.1) en la naturaleza, así como las postulaciones de Le Corbusier en El Modulor.
De manera paralela también hice una división de artistas que me parecen importantes debido a las aportaciones que hacen en este campo de conocimiento: El primer segmento circunscribe a los creadores que me han influenciado; el segundo se refiere al plano formal, la utilización de la estructura lineal para crear composiciones que van desde simples divisiones geométricas hasta el uso de precisiones matemáticas. A partir de estas posiciones menciono a los artistas: Lucian Freud, Vincent van Gogh, Piet Mondrian, Anselm Kiefer, Paul Klee, Gustav Klimt, Geogia O’Keefee y Sigman Polke, además de los citados anteriormente.
Es importante indicar que, dentro de la selección de artistas hay particularidades temáticas en algunos de ellos, por lo cual no se les puede circunscribir en un solo motivo de estudio, su amplia referencia muestra: dibujos y estudios de figura humana con precisiones anatómicas específicas, dibujos de plantas y flores, como puede verse en da Vinci, hasta elaboradas composiciones basadas en estructuras geométricas que en obra de Paul Klee, se encuentra ampliamente ejemplificada.
Estructura vegetal
El campo de la botánica es bastante extenso y no pretendo volverme una especialista, sólo me abocaré en la indagación a lo relacionado con mis temas, sin embargo creo oportuno destacar mi especial preferencia a la observación del mundo vegetal y particularmente al lugar que me rodea: El Bosque de Niebla del Centro de Veracruz, ubicado en las cercanías de Coatepec Ver., también llamado bosque mesófilo de montaña, bosque caducifolio o nubiselva. Williams-Linera (2007) lo describe como ”un conjunto de ecosistemas de montaña que se caracteriza por la presencia de árboles en varios estratos, por la abundancia de helechos, (…) la nubosidad y neblina y la humedad atmosférica alta durante todo el año” (p.17).
El bosque de niebla es muy apreciado por su biodiversidad, pero de manera particular me interesa el estudio de los helechos y orquídeas que lo habitan. Para ello, creo necesario familiarizarme con la terminología utilizada en esta ciencia. De manera preliminar es importante abordar tratados de biología, fisiología vegetal, crecimiento y desarrollo de las plantas y organografía. Consecuentemente entrar de lleno al estudio de helechos y orquídeas: su estructura, patrones de crecimiento, sistema de vástagos (formado por el tallo y otras estructuras que se desarrollan a partir de él) y un nuevo enfoque llamado arquitectura vegetal, surgido en los años setenta.
Para aplicar este conocimiento es necesario acudir al hábitat de estas plantas, El Bosque de Niebla, a fin de lograr una observación detallada con dibujos in situ y realizar un registro fotográfico. Del igual manera, tengo contemplado visitar y realizar entrevistas con los investigadores del Jardín Botánico “Francisco Javier Clavijero”, del Instituto de Ecología, A.C., en Coatepec, Ver., con el objetivo de obtener información especializada de primera mano, a fin de enriquecer el sustento teórico, como el de imágenes.
De manera paralela, es obligado revisar la obra artistas que abordan el mundo vegetal como Geogia O’Keefee y los otros anteriormente citados.
Autores y teorías.
Esta sección es imprescindible para cualquier investigación ya que es el respaldo teórico ante la problemática a desentrañar; abocarse no solo, en la lectura de libros, también es válido acercarse a otras fuentes documentales como pueden ser: revistas o la Internet, las cuales nos ofrecen ensayos que en sus disertaciones y puntos de vista, pueden lograr o no, coincidencias con nuestra postura y son una herramienta reflexiva para argumentar de manera sólida nuestra hipótesis.
Uno de los autores fundamentales para mi investigación es Rudolf Arnheim, su texto El pensamiento visual, se ajusta a la perspectiva teórica que me concierne: La percepción excluida del pensamiento, La visión selectiva, Las formas son conceptos, La abstracción de la forma, Las relaciones dependen de la estructura, La percepción compara, ¿Qué cosas resultan iguales?, El pensamiento en la acción visible, Adecuación de imágenes a sus funciones, Figura y fondo y más allá y Mirada y comprensión, son algunos de los contenidos que me interesan explorar. Su postura respecto al mecanismo perceptivo, enfocado principalmente al arte y al sentido de la vista, me permite realizar una analogía entre estructura humana y vegetal sustentada en un proceso selectivo de formas, Arnheim (1998) lo explica como sigue “la percepción no es un registro pasivo del material estimulante, sino un interés activo de la mente (…). La percepción de la forma consiste en la aplicación de las categorías de la forma, que pueden llamarse conceptos visuales por su simplicidad y generalidad. La percepción implica la resolución de problemas” (p. 51).
Incorporado al fenómeno de la percepción, están los componentes básicos de la obra de arte: el equilibrio, la forma, la luz, el color y la expresión, entre otros, son herramientas indispensables para elaborar un análisis de la imagen. Para ello, el libro de Arte y percepción visual. Psicología del ojo creador, de Arnheim es medular en mi bibliografía.
El libro Antropología filosófica de Ernst Cassirer, centra su tema en una serie de disertaciones acerca del hombre a través de su cultura; lo define como un “animal simbólico” y menciona diferencias específicas con otros animales, a nivel intelectual y de lenguaje. Para Cassirer, lo esencial del arte radica en las propuestas que cada artista plantea y, desde una perspectiva filosófica, ideológica, cultural, simbólica, deduce que las “actividades humanas” son el resultado de la suma de procesos que están condicionados por la postura individual que caracteriza a cada ser humano lo que las hace manifestarse como realidades.
El proceso de la creación también fue incluido en esta selección de material bibliográfico, a través de La Imaginación y el Arte en la Infancia, del psicólogo soviético L.S. Vigotsky, el cual centra su estudio en la acción creadora y lo relaciono muy cercanamente con el texto de Cassirer. Ambos autores convergen en que tal actividad creadora es motivada por el hombre, para proyectar su futuro y que esto le permita transformar su presente y reinterpretar su pasado. Experiencia, lenguaje, fantasía, realidad, sensaciones, confluyen en algo que llamamos percepción y que a su vez exponemos mediante una disciplina artística.
Asimismo, se contempla abordar bibliografía correspondiente a Omar Calabrese, por ejemplo El lenguaje del arte, el cual es una valiosa aportación que muestra y analiza dos posturas diametralmente opuestas: la relación entre el arte y la comunicación.
Libros de Artista.
La historia del hombre se ha distinguido por una primordial necesidad para comunicarse; expresando mediante imágenes y lenguajes, sus pensamientos, inquietudes, reflexiones, investigaciones, así como un amplísimo universo de conocimiento formulado desde perspectivas científicas, filosóficas, sensoriales o artísticas, por mencionar algunas, que lo llevan a establecer mecanismos de comunicación cada día más elaborados, precisos y diversos en las distintas área del conocimiento. Asimismo, los libros de artista, término que apareció en los años setenta, también encuentran su espacio en este amplio horizonte. El texto Libros de Artista (2003), menciona que:
En el desarrollo del libro de artista encontramos el recurso visual y el literario alternados indistintamente en diferentes gradaciones, pero ambos lenguajes acabaron por situarse dentro de una estructura definida y cerrada en la que es determinante no sólo el aspecto formal, sino también el tipo de secuencias espacio-temporales por la combinación de todos estos elementos. (p.21)
A manera de antecedente es importante mencionar que el tema de mi tesis de licenciatura versó sobre el libro de artista. El título Rodando mi piel; en la retina de tus ojos, en la palma de mi mano y en la entonación de tu voz, era la simbiosis de la poesía y la imagen transformada. ¿Por que transformada?, porque a través de la lectura de Muerte sin fin de José Gorostiza hice una reinterpretación visual a los temas centrales: la inteligencia, la muerte y el hombre: en su espiritualidad, en la reflexión introspectiva vinculada estrechamente con los elementos (agua, tierra, aire y fuego), que lo habitan y lo transforman interna y externamente. Existe una imagen fundamental en este poema; forma y sustancia que se traducen en vaso y agua, esta relación se presenta como una paradoja que se desarrolla a lo largo de la obra.
Esta experiencia me aportó una forma estructurada y organizada para llegar a mis objetivos de investigación tanto en el texto como en el resultado de mi obra. El libro, que actualmente conservo, se divide en tres secciones: la primera se ocupa de papel hecho a mano (lo táctil, lo visual y lo olfativo); la segunda son huecograbados con técnicas de aguafuerte y aguatinta; y la tercera son dibujo-textos.
Los temas y ejemplos de libros de artistas son bastante numerosos, me concentraré en aquellos que aborden lo planteado en mi investigación: Antecedentes. Propuestas visuales en anatomía humana y mundo vegetal y, Proceso creativo para la elaboración de un libro de artista. Para la concreción de los parámetros formales y la elaboración del libro de artista debo resolverlo a partir de dos perspectivas y enfoques. El primero, que se refiere a la bibliografía especializada en el tema, reúne información en cuanto a la forma y contenido de libros ya realizados, es una visión externa. La segunda se refiere al proceso creativo; la documentación y registro de información que yo genere a través de notas, dibujos (in situ) y fotografías, seleccionado el material visual se procederá a crear la obra para integrar el libro de artista, ésta, será mi percepción.
Algunos artistas que por sus propuestas, se aproximan a mis conceptos y creo oportuno revisar son: Angélica Chío, Fernando Andolcetti, Marcos Kurticz, Martha Hellion, Magali Lara, María Teresa Louro, Ulises Carrión, Diana Radaviciute, Boris Viskin, Francisco Toledo, Telfer Stokes y Miguel Ángel Blanco
La obra del libro se divide en tres secciones: la primera es una visión microscópica del Bosque de Niebla en relación a los pies; la segunda es una equivalencia de formas y estructuras del Bosque de Niebla en proporción a la figura humana, y la tercera; es una visión macro del Bosque de Niebla, que involucra la modificación de la forma y su estructura a partir de elementos poco visibles o lejanos al ojo humano: tamaño y proporción. La meta es realizar un total de 42 obras en técnica mixta sobre tela y papel de 50 x 50 cm. cada una.
Para concluir enfatizo que, los artistas desde su posición de creadores tienden a ser escrupulosamente observadores, entretejen con su alfabeto visual, una infinidad de asociaciones que no solo son propositivas en imagen, sino también en como las muestran, como las interpretan, en que medio. Por ello, la percepción no solo es el resumen de un ejercicio visual, es el conjunto de sensaciones a través de cada uno de nuestros sentidos, la información acumulada, el contexto, nuestra cultural y hasta nuestra condición intelectual, tienen un efecto que, en sus resoluciones pueden ser muy heterogéneas, Arnheim (1998) lo resume como sigue:
El arte cumple mejor su función cuando permanece inadvertido. Vigila para que formas, objetos y acontecimientos, mediante el despliegue de su propia naturaleza, puedan evocar las potencias más profundas y simples en las que el hombre se reconoce. Es una de las recompensas que obtenemos mediante lo que vemos. (p. 327)
El inicio en cada investigación que realicemos, implica configurar nuevas formas y estructuras de razonamiento a través de la percepción que favorecen la creatividad, y en ello existe un camino apasionado al conocimiento.
Xalapa, Ver. Diciembre de 2008
Referencias Bibliográficas
Arnheim, Rudolf (1998), El pensamiento visual, Barcelona: Paidós.
Libros de Artistas, Tomo I (2003), Madrid: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Dirección General de Publicaciones, Turner.
Williams-Linera, G (2003), El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, Xalapa: CNABIO – Instituto de Ecología, A.C.
Páginas electrónicas consultadas
www.scielo.cl/scielo.php?pid=S0717-66432005000100003&script=sci_arttext
www.fce.com.ar/ar/libros/guias/Filosofia/cassirer.htm
www.librosgratisweb.com/pdf/cassirer-ernst/antropologia-filosofica.pdf
Por: Beatriz Sánchez Zurita
Instituto de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana
Todo proyecto de investigación obliga a implementar procedimientos metodológicos a fin de lograr el objetivo de manera organizada y sistemática. La elección del tema indica ajustarlo a un marco teórico e histórico, considerando un enfoque particular; se efectúa un análisis exhaustivo y se seleccionan las fuentes documentales de los tópicos que nos interesan abordar y que, a través su interacción sean propositivos en sus resultados y enfaticen una interpretación personal a las ya consideradas por otros estudiosos del área.
Como resultado de experiencias anteriores, creo oportuno comentar que al iniciar una investigación me ha resultado fundamental la relación que se establece entre el acopio de información y su estrecha correspondencia con el apartado de antecedentes que se especifica en el proyecto. En un principio y una vez elegido el tema, se definen los conceptos, las teorías y/o autores que apoyen nuestra hipótesis, la orientación desde donde se aborde nuestro tema, así como los paralelismos o analogías que decidamos indagar, son las premisas cardinales para efectuar una recolección de datos, pues implica una organización y clasificación por fuentes, autores y temas.
Asimismo, cabe señalar que para seleccionar el tema de una investigación recomiendo extender el campo de conocimiento de los conceptos abordados que con anterioridad hemos utilizado o han sido recurrentes en nuestra vida profesional como artistas: ¿cuáles son nuestras motivaciones, conceptos, técnicas?, ¿desde que perspectiva observamos, indagamos?, ¿que alimenta nuestro mundo visual?. En consecuencia resolví no apartarme de las propuestas visuales que he venido realizando a lo largo de mi trabajo profesional y que a la fecha prevalecen en sus temáticas y conceptos. Lo significativo en esta investigación es orientar mi trabajo hacia un distinto enfoque que me permita profundizar, analizar y examinar desde otra perspectiva de conocimiento teórico y visual, ideas no exploradas en mi quehacer artístico.
A lo largo de mi desarrollo, han prevalecido dos características en las propuestas visuales que he planteado, la primera se refiere a la forma: el tema seleccionado lo hago de manera seriada, es decir- ejecuto obras, que varían en número desde 10 o hasta más de 50, lo cual me permite una progresión de posibilidades formales sobre el mismo.
La segunda característica es que, desde mis años como alumna en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, me ha interesado el estudio de la figura humana, para lo cual, trabajar sesiones con modelos ha sido fundamental, así como indagar sobre las propuestas de artistas que principalmente utilizan figura humana en sus obras. Para mí, lo esencial radica en la relación de un cuerpo, completo o seccionado, desnudo o vestido y que en una capacidad de asociaciones pueda lograr un vínculo con otros conceptos.
De las creaciones plasmadas con figura humana, quiero enfatizar una serie realizada en el año 2004, Memoria vegetal, integrada por: óleos sobre tela, grabados al aguafuerte y dibujos en papel. Las obras estaban constituidas a partir de imágenes seccionadas de cuerpos femeninos y masculinos, integradas con formas vegetales, la disposición espacio se planteaba desde una perspectiva a vista de pájaro con punto de fuga central (imagen 1).
Una vez concluida la serie y tomando la debida distancia temporal, me formulé varias preguntas que por un lado, atendían a la proporción del cuerpo humano: sus interpretaciones simbólicas en su totalidad o a modo de secciones; en su visión física externa o adentrándose en sus órganos, y por otro las plantas: sus estructuras y la disposición y desarrollo de su crecimiento, así como las estructuras que integran a ambas formas (hombre y planta). Pero estas interrogantes debían responderse a través de un ejercicio académico indagatorio que pudiera orientarse en un discurso contemporáneo, debido a que el tema de la figura humana, así como el mundo vegetal han sido bastante recurrentes a lo largo de la historia del arte.
Imagen 1
Partiendo de estas incógnitas y desde mi particular punto de vista, el tema de la figura humana es inagotable puesto que desde una perspectiva actual existen y cohabitan nuevas propuestas para abordar tal asunto. Específicamente me refiero a las siguientes variantes y modos de hacer arte: el uso de materiales diversos (no adquiridos en tiendas especializadas para artistas), el acceso y uso de la información en medios masivos como la televisión y la Internet, la libertad de accesar a otros campos del conocimiento y de las artes, llámese interdisciplina o multidisciplina y el uso de la tecnología, entre otras.
En la investigación que ahora me ocupa, el título fue determinado tratando de englobar de manera sintética el objeto de estudio: La estructura humana y su integración al mundo vegetal. Libro de artista. Bajo esta condición establecí los contenidos sustanciales y de igual manera los parámetros para el acopio de información.
El material documental lo dividí de acuerdo al título, puesto que me indica los temas a desarrollar, así mismo resolví que debía seleccionar, identificar y puntualizar el campo indagatorio para utilizarlo como una ruta de conocimiento específico.
A continuación señalo los temas a tratar y describo como se realizó la selección de la información en cada uno.
Anatomía humana.
La figura humana ha sido un tema significativo en la historia de las artes plásticas, sus interpretaciones en las distintas corrientes artísticas, como de las perspectivas tan heterogéneas y culturales han constituido un vasto panorama de propuestas a la forma y al concepto. El cuerpo humano: como intérprete de nuestro contexto, como medio perceptivo, como recolector de imágenes, como filtro analítico, hasta el punto de utilizarlo como soporte de nuestra propia obra, por ejemplo el body art, ha enriqueciendo nuestro universo simbólico.
En lo referente a la búsqueda de estudios de anatomía humana era ineludible excluir los textos de Leonardo da Vinci y Alberto Durero, pero también libros con imágenes fotográficas como el de Sarah Simblet o El poder de los límites de Doczi (1999) que explica “algunos de los procesos básicos formadores de patrones” (p.1) en la naturaleza, así como las postulaciones de Le Corbusier en El Modulor.
De manera paralela también hice una división de artistas que me parecen importantes debido a las aportaciones que hacen en este campo de conocimiento: El primer segmento circunscribe a los creadores que me han influenciado; el segundo se refiere al plano formal, la utilización de la estructura lineal para crear composiciones que van desde simples divisiones geométricas hasta el uso de precisiones matemáticas. A partir de estas posiciones menciono a los artistas: Lucian Freud, Vincent van Gogh, Piet Mondrian, Anselm Kiefer, Paul Klee, Gustav Klimt, Geogia O’Keefee y Sigman Polke, además de los citados anteriormente.
Es importante indicar que, dentro de la selección de artistas hay particularidades temáticas en algunos de ellos, por lo cual no se les puede circunscribir en un solo motivo de estudio, su amplia referencia muestra: dibujos y estudios de figura humana con precisiones anatómicas específicas, dibujos de plantas y flores, como puede verse en da Vinci, hasta elaboradas composiciones basadas en estructuras geométricas que en obra de Paul Klee, se encuentra ampliamente ejemplificada.
Estructura vegetal
El campo de la botánica es bastante extenso y no pretendo volverme una especialista, sólo me abocaré en la indagación a lo relacionado con mis temas, sin embargo creo oportuno destacar mi especial preferencia a la observación del mundo vegetal y particularmente al lugar que me rodea: El Bosque de Niebla del Centro de Veracruz, ubicado en las cercanías de Coatepec Ver., también llamado bosque mesófilo de montaña, bosque caducifolio o nubiselva. Williams-Linera (2007) lo describe como ”un conjunto de ecosistemas de montaña que se caracteriza por la presencia de árboles en varios estratos, por la abundancia de helechos, (…) la nubosidad y neblina y la humedad atmosférica alta durante todo el año” (p.17).
El bosque de niebla es muy apreciado por su biodiversidad, pero de manera particular me interesa el estudio de los helechos y orquídeas que lo habitan. Para ello, creo necesario familiarizarme con la terminología utilizada en esta ciencia. De manera preliminar es importante abordar tratados de biología, fisiología vegetal, crecimiento y desarrollo de las plantas y organografía. Consecuentemente entrar de lleno al estudio de helechos y orquídeas: su estructura, patrones de crecimiento, sistema de vástagos (formado por el tallo y otras estructuras que se desarrollan a partir de él) y un nuevo enfoque llamado arquitectura vegetal, surgido en los años setenta.
Para aplicar este conocimiento es necesario acudir al hábitat de estas plantas, El Bosque de Niebla, a fin de lograr una observación detallada con dibujos in situ y realizar un registro fotográfico. Del igual manera, tengo contemplado visitar y realizar entrevistas con los investigadores del Jardín Botánico “Francisco Javier Clavijero”, del Instituto de Ecología, A.C., en Coatepec, Ver., con el objetivo de obtener información especializada de primera mano, a fin de enriquecer el sustento teórico, como el de imágenes.
De manera paralela, es obligado revisar la obra artistas que abordan el mundo vegetal como Geogia O’Keefee y los otros anteriormente citados.
Autores y teorías.
Esta sección es imprescindible para cualquier investigación ya que es el respaldo teórico ante la problemática a desentrañar; abocarse no solo, en la lectura de libros, también es válido acercarse a otras fuentes documentales como pueden ser: revistas o la Internet, las cuales nos ofrecen ensayos que en sus disertaciones y puntos de vista, pueden lograr o no, coincidencias con nuestra postura y son una herramienta reflexiva para argumentar de manera sólida nuestra hipótesis.
Uno de los autores fundamentales para mi investigación es Rudolf Arnheim, su texto El pensamiento visual, se ajusta a la perspectiva teórica que me concierne: La percepción excluida del pensamiento, La visión selectiva, Las formas son conceptos, La abstracción de la forma, Las relaciones dependen de la estructura, La percepción compara, ¿Qué cosas resultan iguales?, El pensamiento en la acción visible, Adecuación de imágenes a sus funciones, Figura y fondo y más allá y Mirada y comprensión, son algunos de los contenidos que me interesan explorar. Su postura respecto al mecanismo perceptivo, enfocado principalmente al arte y al sentido de la vista, me permite realizar una analogía entre estructura humana y vegetal sustentada en un proceso selectivo de formas, Arnheim (1998) lo explica como sigue “la percepción no es un registro pasivo del material estimulante, sino un interés activo de la mente (…). La percepción de la forma consiste en la aplicación de las categorías de la forma, que pueden llamarse conceptos visuales por su simplicidad y generalidad. La percepción implica la resolución de problemas” (p. 51).
Incorporado al fenómeno de la percepción, están los componentes básicos de la obra de arte: el equilibrio, la forma, la luz, el color y la expresión, entre otros, son herramientas indispensables para elaborar un análisis de la imagen. Para ello, el libro de Arte y percepción visual. Psicología del ojo creador, de Arnheim es medular en mi bibliografía.
El libro Antropología filosófica de Ernst Cassirer, centra su tema en una serie de disertaciones acerca del hombre a través de su cultura; lo define como un “animal simbólico” y menciona diferencias específicas con otros animales, a nivel intelectual y de lenguaje. Para Cassirer, lo esencial del arte radica en las propuestas que cada artista plantea y, desde una perspectiva filosófica, ideológica, cultural, simbólica, deduce que las “actividades humanas” son el resultado de la suma de procesos que están condicionados por la postura individual que caracteriza a cada ser humano lo que las hace manifestarse como realidades.
El proceso de la creación también fue incluido en esta selección de material bibliográfico, a través de La Imaginación y el Arte en la Infancia, del psicólogo soviético L.S. Vigotsky, el cual centra su estudio en la acción creadora y lo relaciono muy cercanamente con el texto de Cassirer. Ambos autores convergen en que tal actividad creadora es motivada por el hombre, para proyectar su futuro y que esto le permita transformar su presente y reinterpretar su pasado. Experiencia, lenguaje, fantasía, realidad, sensaciones, confluyen en algo que llamamos percepción y que a su vez exponemos mediante una disciplina artística.
Asimismo, se contempla abordar bibliografía correspondiente a Omar Calabrese, por ejemplo El lenguaje del arte, el cual es una valiosa aportación que muestra y analiza dos posturas diametralmente opuestas: la relación entre el arte y la comunicación.
Libros de Artista.
La historia del hombre se ha distinguido por una primordial necesidad para comunicarse; expresando mediante imágenes y lenguajes, sus pensamientos, inquietudes, reflexiones, investigaciones, así como un amplísimo universo de conocimiento formulado desde perspectivas científicas, filosóficas, sensoriales o artísticas, por mencionar algunas, que lo llevan a establecer mecanismos de comunicación cada día más elaborados, precisos y diversos en las distintas área del conocimiento. Asimismo, los libros de artista, término que apareció en los años setenta, también encuentran su espacio en este amplio horizonte. El texto Libros de Artista (2003), menciona que:
En el desarrollo del libro de artista encontramos el recurso visual y el literario alternados indistintamente en diferentes gradaciones, pero ambos lenguajes acabaron por situarse dentro de una estructura definida y cerrada en la que es determinante no sólo el aspecto formal, sino también el tipo de secuencias espacio-temporales por la combinación de todos estos elementos. (p.21)
A manera de antecedente es importante mencionar que el tema de mi tesis de licenciatura versó sobre el libro de artista. El título Rodando mi piel; en la retina de tus ojos, en la palma de mi mano y en la entonación de tu voz, era la simbiosis de la poesía y la imagen transformada. ¿Por que transformada?, porque a través de la lectura de Muerte sin fin de José Gorostiza hice una reinterpretación visual a los temas centrales: la inteligencia, la muerte y el hombre: en su espiritualidad, en la reflexión introspectiva vinculada estrechamente con los elementos (agua, tierra, aire y fuego), que lo habitan y lo transforman interna y externamente. Existe una imagen fundamental en este poema; forma y sustancia que se traducen en vaso y agua, esta relación se presenta como una paradoja que se desarrolla a lo largo de la obra.
Esta experiencia me aportó una forma estructurada y organizada para llegar a mis objetivos de investigación tanto en el texto como en el resultado de mi obra. El libro, que actualmente conservo, se divide en tres secciones: la primera se ocupa de papel hecho a mano (lo táctil, lo visual y lo olfativo); la segunda son huecograbados con técnicas de aguafuerte y aguatinta; y la tercera son dibujo-textos.
Los temas y ejemplos de libros de artistas son bastante numerosos, me concentraré en aquellos que aborden lo planteado en mi investigación: Antecedentes. Propuestas visuales en anatomía humana y mundo vegetal y, Proceso creativo para la elaboración de un libro de artista. Para la concreción de los parámetros formales y la elaboración del libro de artista debo resolverlo a partir de dos perspectivas y enfoques. El primero, que se refiere a la bibliografía especializada en el tema, reúne información en cuanto a la forma y contenido de libros ya realizados, es una visión externa. La segunda se refiere al proceso creativo; la documentación y registro de información que yo genere a través de notas, dibujos (in situ) y fotografías, seleccionado el material visual se procederá a crear la obra para integrar el libro de artista, ésta, será mi percepción.
Algunos artistas que por sus propuestas, se aproximan a mis conceptos y creo oportuno revisar son: Angélica Chío, Fernando Andolcetti, Marcos Kurticz, Martha Hellion, Magali Lara, María Teresa Louro, Ulises Carrión, Diana Radaviciute, Boris Viskin, Francisco Toledo, Telfer Stokes y Miguel Ángel Blanco
La obra del libro se divide en tres secciones: la primera es una visión microscópica del Bosque de Niebla en relación a los pies; la segunda es una equivalencia de formas y estructuras del Bosque de Niebla en proporción a la figura humana, y la tercera; es una visión macro del Bosque de Niebla, que involucra la modificación de la forma y su estructura a partir de elementos poco visibles o lejanos al ojo humano: tamaño y proporción. La meta es realizar un total de 42 obras en técnica mixta sobre tela y papel de 50 x 50 cm. cada una.
Para concluir enfatizo que, los artistas desde su posición de creadores tienden a ser escrupulosamente observadores, entretejen con su alfabeto visual, una infinidad de asociaciones que no solo son propositivas en imagen, sino también en como las muestran, como las interpretan, en que medio. Por ello, la percepción no solo es el resumen de un ejercicio visual, es el conjunto de sensaciones a través de cada uno de nuestros sentidos, la información acumulada, el contexto, nuestra cultural y hasta nuestra condición intelectual, tienen un efecto que, en sus resoluciones pueden ser muy heterogéneas, Arnheim (1998) lo resume como sigue:
El arte cumple mejor su función cuando permanece inadvertido. Vigila para que formas, objetos y acontecimientos, mediante el despliegue de su propia naturaleza, puedan evocar las potencias más profundas y simples en las que el hombre se reconoce. Es una de las recompensas que obtenemos mediante lo que vemos. (p. 327)
El inicio en cada investigación que realicemos, implica configurar nuevas formas y estructuras de razonamiento a través de la percepción que favorecen la creatividad, y en ello existe un camino apasionado al conocimiento.
Xalapa, Ver. Diciembre de 2008
Referencias Bibliográficas
Arnheim, Rudolf (1998), El pensamiento visual, Barcelona: Paidós.
Libros de Artistas, Tomo I (2003), Madrid: Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Dirección General de Publicaciones, Turner.
Williams-Linera, G (2003), El bosque de niebla del centro de Veracruz: ecología, historia y destino en tiempos de fragmentación y cambio climático, Xalapa: CNABIO – Instituto de Ecología, A.C.
Páginas electrónicas consultadas
www.scielo.cl/scielo.php?pid=S0717-66432005000100003&script=sci_arttext
www.fce.com.ar/ar/libros/guias/Filosofia/cassirer.htm
www.librosgratisweb.com/pdf/cassirer-ernst/antropologia-filosofica.pdf
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